Stelle dir einen Puls vor und empfinde diesen. Dann stelle dir den Abschnitt vor, dann spiele ihn, ohne das Empfinden des Pulses zu verlieren.

Ich habe den Verlauf der Entwicklung des Spielens bei Schülern und mir aufgenommen und angehört. Schüler und ich kamen zu dem Ergebnis, dass das Spiel geschmeidiger und weniger grobschlächtig werde.

Aus diesen Beobachtungen machte ich weitere Experimente. Ich schaltete nicht ein normales Metronom im Unterricht ein, sondern bastelte mit Durmsounds rum. Wenn der Schüler nicht zum Metronom spielte, griff ich nicht ein, sondern wartete, was passieren würde.

Bei vielen synchronisierte sich das Spiel zum Metronom. Aber bei manchen Schülern, alle kurioserweise im Grundschulalter, passierte etwas, was irrwitzig klingen mag. Sie spielten konsequent auf dem Offbeat. Also auf Zeiten, auf die das Metronom gar kein Signal gab. Als gezielte Aufgabe für kindliche Anfänger wäre das unmöglich.

Letztendlich führte das zu einem weiteren Experiment. Man spricht regelmäßig Silben zu einem sehr langsamen Beat. 10 bis 15 Schläge pro Minute. Auch hier Synchronisationseffekte. Das Sprechen reguliert sich auf den Beat ein. Aber nicht immer. Es scheint fast wie Resonanzfrequenz zu funktionieren.

Diese Erfahrung regte mich an, mit einem Schüler, der mit dem Thema Rhythmus ein eher sehr angespanntes Verhältnis hat, etwas anders in das Thema, wie bekomme ich die Sechzehntel auf einen vorgegebenen Schlag, ohne in Panik zu geraten, einzusteigen.

1.       Den Schlag hören und beobachten, ob und wo man diesen im Körper empfindet?

2.       Beobachten, ob es eine wiederkehrende körperliche Bewegung zwischen diesen empfundenen Impulsen gibt?

3.       Jetzt die Silbe „cha” als Viertel sprechen und beobachten, ob es sich mit dem Metronom synchronisiert und auf das Spüren der Pulse und der Bewegung achten.

4.       Wenn es sich synchronisiert hat die Silben „cha-ti” sprechen und auf das körperliche empfinden achten.

5.       Dann steigt man auf die Silben „cha-ka-ti” um.

6.       Dann auf die Silben „Cha-ka-ti-ki”.

Letztendlich dauert das zwar seine Zeit. Aber der Schüler war dann sicher und stabil in seinen Sechzehntel. Wir haben das mehrmals gemacht und das Ganze funktionierte immer schneller.

Letztendlich haben wir aber doch eine komplette Unterrichtsstunde verbraucht. Für zwei Rhythmusmodelle mit Sechzehntel. Da habe ich dann doch mal lieber nachgefragt, ob der Schüler diese Stunde als Zeitvergeudung ansehen würde. Der Schüler verneinte das, er hätte sehr viel gelernt. Insbesondere der mentale Stress wäre deutlich zurückgegangen.

Related posts:

1. Rhythmische Erlebnisse - Teil 1
2. Rhythmische Erlebnisse - Teil 2
3. Poprhythmik knacken (Teil 1)

Ich befragte diese Schüler dazu. Sie sagten Piep würde nervös machen, das Bumm der Trommeln beruhigen. Manche wünschen die Trommeln sogar ausdrücklich.

Ich verfiel dann auf ein weiteres Experiment. Da ich die entsprechende Software hatte, konnte ich Folgendendes gestalten. Erst ein dichtes Sechzehntelgeflecht, was sich nach einer bestimmten Zeit dann auf durchgehende Achtel, dann Viertel, Halbe, ganze Takte und zwei ganze Takte umstellte.

Die Frage war, würde ich es schaffen mit einem Schlag, der jeweils nur jeden zweiten Takt erfolgt, synchron spielen können. Ja es ging und es ging erstaunlich gut.

Dabei bemerkte ich aber auch Reaktionen meines Körpers. Der Körper bildete ein wiederkehrendes Bewegungsmuster zu den Trommeln aus. Dieses Bewegungsmuster blieb bestehen, wenn das Metronomnetz weitmaschiger wurde. Letztendlich wurde mir dieses Bewegungsmuster zum Metronomersatz.

Dabei fiel mir auf, je weniger Informationen mir das Metronom gab, desto bewusster oder ausgeprägter wurde das Bewegungsmuster.

Ich probierte das auch mit Schülern aus. Erstaunlich viele kamen extrem gut klar, andere aber auch ziemlich schlecht. Denen, die ziemlich schlecht klarkamen, war eines gemeinsam, es vermittelte sich durch ihre Körpersprache mir nichts, dass ihr Körper unterbewusst mit den Trommeln interagieren würde, bzw. wenn Informationen wegfielen, sie nicht einen Ersatz aus sich selbst heraus schufen.

Dies ist kein Vorwurf an die Schüler. Aber macht auf etwas Interessantes aufmerksam, wer sich keine Steuerung aus sich selbst aufbaut, ist ohne externe Steuerung verloren.

Als ich mal wieder in dem TaKeTiNa - Explorer rumbastelte, ergab sich, dass eine Zeit lang eine Basstrommel mit BMP = 20 mitlief, ohne dass ich etwas tat, außer mal wie so oft über die komplizierte Bedienung der Software nachzudenken.

Irgendwann spürte ich in mir immer einen Impuls zwischen den zwei Basstrommelschlägen. Darauf hin versuchte ich diesen in mir entstanden Puls zu unterteilen, dann diesen. Wichtig ist zu sagen, dass die Wertigkeit der Pulse nicht gleich war, sondern dass ich letztendlich das Betonungsmuster der Achtel in einem 4/4-Takt empfand.

Mit diesem Puls spielte ich das nächste Stück und fand, dass es dadurch einen sehr frei schwingenden Fluss bekam.

Aus irgendeinem Grund kam mir folgende Idee.

Es gibt ja die Hilfestellung, dass man sich vor dem Start des Spielens, den Stückanfang vorstellt. Nähere Ausführungen kenne ich nicht dazu, ich habe auch nie sonderlich darüber nachgedacht.

Aber man kann diesen Vorgang variieren.

1.       Man stellt sich das Stück vor und entwickelt daraus das Gefühl des Grundschlages.

2.       Man stellt und empfindet den Grundschlag als Erstes, fängt dann an die kleineren Notenwerte zu empfinden, bis man beim kleinsten Notenwert angekommen ist. Auf dieser Basis stellt man sich den Stückanfang vor.

Ergebnis, bei Version 2 schwingt das Spiel des Stückes freier.

Ich habe das mit einigen Schülern probiert. Gleiches Ergebnis. Besonders schön ist diese Vorgehensweise bei Zerlegungsstücken.

Related posts:

1. Rhythmische Erlebnisse - Teil 3
2. Rhythmische Erlebnisse - Teil 1
3. Was mir beim 3D-Animieren so aufgefallen ist - Teil 3

Um die Dinge nachzuvollziehen, die ich hier beschreibe, braucht man nicht den TaKeTiNA-Explorer, sondern ein Drumcomputer bzw. -software mit guten Drumsamples. Mit den normalen Scheckkartenmetronomen gehen die zu berichtenden Effekte teilweise nicht oder ziemlich schlecht.

Ausgangspunkt meiner rhythmischen Experimente, war die Erfahrung, als ich ein Metronom mit realen Drumsamples zusammenbaute bzw. den TaKeTiNa - Explorer auf diese Art als Metronom zweckentfremdete, dass nach einiger Zeit des damit Gitarrespielens sich meine Bewegungen veränderten.

Die Fingerbewegungen wurden zeitlich präziser. Was ist darunter zu verstehen? Es gibt eine Zeitspanne zwischen den ersten Muskelreaktionen, um die Bewegung auszuführen und dem Ende der Bewegung. Ich hatte den Eindruck, diese wurde kürzer. Weiter stellte ich fest, dass das Zusammenfallen von Bewegung und Schlagzeugklang zunahm, bzw. das Gefühl eines Automatismus.

Mich beschlich der Verdacht, dass diese Trommel- und Percussionsklänge etwas Zwingendes haben und den Bewegungsrhythmus klären. Um diese Theorie zu überprüfen, baute ich mir aus diesen Sounds ein Metronom mit fortlaufenden Sechzehnteln, das aber auch das Vierviertelmetrum deutlich hörbar machte. Dies stellte ich auf 100 Schläge pro Minute ein.

Bisher habe ich immer versucht, dass ich eine Sechzehntelgruppe zu einem bestimmten Zeitpunkt zu solch einer Piepmetronomunterlage zu spielen. Ich würde sagen es gelingt mir nur sehr selten. Diesmal spielte ich einfach eine Fünfergruppe ohne ein Ziel. Also, ob es Sechzehntel werden und ob diese auf eine bestimmte Zeit kommen. Sondern ich war nur neugierig darauf, was passieren würde.

Und es passierte etwas. Zu einem meine Finger liefen nach einigen chaotischen Versuchen in Sechzehntel mit. Und es kristallisierte sich heraus, dass ich immer zu gleichen Zeitpunkt im Takt einsetzte.

Bei verschiedenen Durchläufen bildeten sich aber auch andere Zeitpunkte heraus, die aber in den jeweiligen Durchläufen konstant blieben..

Also experimentierte ich weiter. Ich spielte die linke Hand und rechte Hand eines Laufes alleine. Bzw. zu erst nur kurze Fragmente. Dort auch die gleiche Beobachtung. Erst chaotisch, dann das Herausbilden eines verlässlichen Ablaufes, ohne dass ich mich darum bemühen musste. Ich beobachtete nur, ob so etwas geschehen würde.

Dann setzte ich die zwei Hände nach dem gleichen Prinzip zusammen. Und siehe da, ich erhielt einen klaren und lockeren Lauf.

Ich machte dieses Experiment auch mit einem erwachsenen Schüler, der immer darüber klagt, dass er nicht sicher schnell spielen könnte. Er war ziemlich verblüfft, was ihm plötzlich möglich war. Ich auch.

Dieser Schüler und ich machten beide eine ähnliche Erfahrung. Eigentlich ist es sehr schwer möglich, bei hohen Tempi auf bestimmte Dinge zu achten. In diesen Endlosschleifen war z.B. plötzlich möglich darauf zu achten, wie die der Kontaktpunkt der Fingerkuppe beim zweiten Sechzehntel der Fingerkuppe ausfällt.

Weiter stellten wir fest, dass sich nicht so gut laufende Dinge zum Guten hin einpegelten, wenn wir eine Vorstellung vom Guten hatten. Wichtig war dabei, wir wollten das Gute nicht erzwingen, sondern beobachteten interessiert, ob das Gute eintreten würde und sich stabilisieren würde.

Related posts:

1. Rhythmische Erlebnisse - Teil 3
2. Rhythmische Erlebnisse - Teil 2
3. Was mir beim 3D-Animieren so aufgefallen ist - Teil 3

Nachdem ich einige erstellt habe und damit gearbeitet habe, hat mich die ganze Bedienung auf Dauer doch sehr gestört, denn ich bin ein Fan von Tastaturkommandos.

Ebenfalls habe ich jetzt versucht etwas Eigenes mit Visual Basic zu entwickeln, wobei das auch meine ersten Schritte in Visual Basic sind. Ansonsten  beherrsche ich nur ein wenig PHP.

Es war mir eigentlich zu erst wichtig herauszufinden, ob ich überhaupt etwas zum Laufen bringe. Das Grundkonzept steht, muss aber noch verfeinert werden. Die Aufgabenstellung ist natürlich auch zu erweitern.

Jetzt erst einmal ein paar Infos. Es kann sein, dass das Programm beim ersten Start meckert, dass ihm ein Framework 4.0 von Microsoft fehlt. Die Daten bei Google eingeben, runterladen und installieren. Dann funktioniert auch das Programm.

Auf den ersten Blick mag es so wirken, als würde ich das Karteikastensystem weiter verfolgen.  Es hat mir nur noch als Inspiration gedient.

Beantwortest Du eine Frage, wird je nach Antwort eine Art Könnensfaktor für die Aufgabe neu berechnet. Der bestimmt, wie hoch die Wahrscheinlichkeit ist, dass dir die Aufgabe noch einmal gestellt wird. Was Du gut kannst, wird selten gefragt. Was Du schlecht kannst, wird häufig gefragt.

Gibst Du an, dass Du falsch geantwortet hast, dann bekommt Du Übungsaufgaben gestellt.

Bei der Aufgabe Stufenhören mag das etwas eigenartig  erscheinen. Dies hat aber etwas mit meinem Gehörbildungsunterricht zu tun. Wir sollten auf jede Stufe eine bestimmte Wendung singen. Dies sollte uns so konditionieren, sodass wir die Wendung in uns hören, wenn wir eine bestimmte Stufe hören. Dieses Wendungssingen kann man dann üben, wenn das „Trainingslager” aufploppt.

Wirrklang downloaden.

Related posts:

1. Aufmerksamkeit - Neues lernen

Letztendlich sieht es nicht so im  Ossilloskop aus, weil dort die beiden Wellen aufsummiert werden. Aber es stellt ziemlich gut dar, wie sich die Wellenberge auf dem Gehörnerv verhalten. Je besser sie übereinanderliegen, desto wohler fühlt sich der Nerv. Dies ist Grundlage und Geheimnis des Stimmens.

No related posts.

Diese Erschwernisse treten bei den eher schwer zu singenden Intervalle auf. Also wer sich unsicher bei diesem Thema fühlt, helfen diese Tipps wenig. Genauso dürften die folgenden Tipps nicht für jeden hilfreich sein, weil sie gewisse Grundfähigkeiten voraussetzen. Ich halte sie aber für leichter handbar.

Tritonus aufwärts: Singe zwei kleine Terzen in Folge. Singe eine Quinte aufwärts und ein kleine Sekunde abwärts. Oder kleine Sekunde aufwärts dann eine Quarte.

Tritonus abwärts: Singe zwei kleine Terzen in Folge. Singe eine Quarte abwärts und ein kleine Sekunde abwärts.

Kleine Septime aufwärts: Singe eine Oktave aufwärts und ein kleine Sekunde abwärts. Singe einen Durdreiklang und füge eine kleine Terz hinzu. Letztlich singe einen Dominatseptakkord aufwärts. Das ist meist leichter als man denkt.

Kleine Septime abwärts: Singe eine Oktave abwärts und ein kleine Sekunde aufwärts. Singe zwei kleine Terzen abwärts. Die folgende große Terz singt sich fast automatisch. Letztlich singe einen Dominatseptakkord abwärts. Das ist auch meist leichter als man denkt.

Große Septime aufwärts: Singe eine Oktave aufwärts und eine kleine Sekunde abwärts.

Große Septime abwärts: Singe eine kleine Sekunde aufwärts und eine Oktave abwärts.

Dann gibt es noch Methoden für die Leute, die schon gemerkt haben, dass man die einzelnen Stufen einer Skala erkennen kann.

Tritonus aufwärts: Versuche den Ausgangston als Leitton (siebte Stufe) zu empfinden und singe dann die vierte Stufe.

Tritonus aufwärts: Versuche den Ausgangston als Leitton (siebte Stufe) zu empfinden und singe dann die vierte Stufe.

Tritonus abwärts: Versuche den Ausgangston als Gleitton (vierte Stufe) zu empfinden und singe dann die siebte Stufe.

Kleine Septime aufwärts: Versuche den Ausgangston als fünfte Stufe zu empfinden und singe dann die vierte Stufe.

Kleine Septime aufwärts: Versuche den Ausgangston als vierte Stufe zu empfinden und singe dann die fünfte Stufe.

Große Septime aufwärts: Versuche den Ausgangston als Grundton zu empfinden und singe dann den Leitton.

Große Septime abwärts: Versuche den Ausgangston als Leitton zu empfinden und singe dann den Grundton.

Related posts:

1. Merkhilfen für Intervalle
2. Lernkarteikarten MemoryLifter - Intervalle singen
3. Strategien zum Intervalle lernen

Nachdem bei der Monstergitarrenschule schon die Illustration so schlecht weggekommen ist, könnte ich mir vorstellen, dass Kinder diese Illustrationen ähnlich sehen.

Harmonielehre impliziert für manchen, man könne nach Studium des Buches eigenständig eine Melodie aussetzen. Dem ist nicht so. Man kann danach erklären, was eine Kadenz ist. Ob ein Kind nach Durcharbeiten des Buches dann selbstständig eine Kadenz in seinen Stücken erkennen kann bezweifle ich.

Ist das Unternehmen einer Harmonielehre für Kinder gelungen. Auf dem Papier wirkt die Vorgehensweise, Erklärung, dann ein Spiel zu sinnlichen Vermittlung als sehr sinnvoll und durchdacht. Aber das ganze Buch scheint nicht so richtig durchdacht zu sein.

Nach der Erklärung der Intervalle, wird sofort der Quintenzirkel erklärt. Die Erklärung war der Art, dass ich erst einmal zurückgeblättert habe, weil ich dachte, ich hätte ein paar Seiten überschlagen. Aber dem war nicht so.

Mir fehlt grundsätzlich der rote Faden, der den Bezug zwischen den einzelnen Themenblöcken herstellt.

Bei den Dreiklängen wird zwar erklärt, dass diese Terzschichtungen seien. Aber es wird vergessen zu erklären, was für eine Terzschichtung was für einen Dreiklang darstellt. Auch wird nicht dazu aufgefordert, dies festzustellen. Die Illustrationen sind eher irreführend als erklärend. Weil die Farbe der Terzen sich ändert. Z.B. Im verminderten Dreiklang ist die eine kleine Terz blau und die andere rot. Dazu passt, dass beim Öffnen der Schule mir ein Blatt mit einer Leiter entgegen gefallen ist. Man hat vergessen die Leiter abzudrucken.

Bei manchen Spielen habe ich bei mehrmaligen Lesen nicht begriffen, wie sie funktionieren sollen.

So schön die Spiele sind, sie haben oft einen Haken. Mehrere Kinder sollen zusammenspielen. Aus meinem Erfahrungshorizont würde ich sagen, diese Spielgruppen werden sich auch mit sehr viel gutem Willen bei allen Beteiligten selten bilden.

Letztendlich bleibt auch hier das Gefühl, irgendwie ganz nett auf den ersten Blick, aber hilft bei genauerem Hinsehen auch nicht so recht weiter.

Mich hat das Buch in seiner Vorgehensweise an meinen Musikunterricht in der Mittelstufe erinnert. Vielleicht sollte man nicht versuchen, die Herangehensweise für Ältere kindgerecht anzumalen, sondern eine grundsätzlich andere Herangehensweise entwickeln.

Related posts:

1. GRAMA - Das Dorf der Töne (Buchbesprechung)
2. ABC Musik Allgemeine Musiklehre - Wieland Ziegenrücker (Buchbesprechung)
3. Solmisation und tonale Didaktik – Josef Karner (Buchbesprechung)

Mit MIDI-Yoke kann man Capella mit der Stand-Alone-Version seines Softwareinstrumentes verbinden. Da geht auch mit jedem anderen Programm, dessen MIDI-Ausgang konfiguriert werden kann. Wie man ungefähr vorgehen muss, beschreibe ich an Capella.

Nachdem man MIDI-Yoke installiert hat, wählt man unter den Soundoptionen von Capella MIDI-Yoke als Ausgang. Dann wählt man bei dem Softwareinstrument unter den Optionen bei MIDI-In auch MIDI-Yoke.

Dann muss man unter Umständen etwas machen, woraus ich nicht so recht schlau geworden bin, warum und wann man das machen muss.

Mache ich diese Einstellungen bei Samplitude, dann werden die Ereignisse des Kanal 4 auch schön an den Kanal 4 meines Softwareinstrumentes geschickt. Capella tut das nur bedingt.

Zuerst muss man im Mustersystem unter den Klangeistellungen pro Stimme einen bevorzugten Kanal wählen. Das reicht, wenn man capella-tune nicht verwendet. Verwendet man capella-tune, dann muss man noch pro Stimme ein Instrument wählen.

Dabei gibt es etwas zu beachten. Capella zeigt ja bei der Auswahl Instrumentengruppen an, aus denen man ein Instrument wählen muss. Wählt man für eine Stimme ein Instrument aus der ersten Instrumentengruppe (Klaviere), dann spricht diese Stimme den Kanal 1 auf dem Softwareinstrument an. Wählt man ein Instrument aus der dritten Gruppe, wird Kanal 3 angesprochen.

Wenn man diese Lösung dauerhaft verwenden will, dann muss man mit einer entsprechend gestalteten Vorlagendatei von Capella arbeiten. Was aber dann andere Arbeitsschritte bei Capella sehr aufwendig werden lässt. Letztlich muss man ausprobieren, was einem das Leben erleichtert.

No related posts.

Als Erklärung fand ich dafür, dass dieser Kopfhörer linear abbilden würde.

Normalerweise heben Lautsprecher oder Kopfhörer bestimmte Frequenzbereiche stärker hervor als andere.

Jemand schrieb in seinem Erfahrungsbericht, er würde diesen Kopfhörer gerne benutzen, wenn er keine Abhörmonitore zur Hand hätte.

Meine Neugierde war geweckt. Ich wollte wissen, was Abhörmonitore sind. Ich fand folgende Erklärung.

Würde man in einem Tonstudio  eine Musikproduktion auf einem Bass betonenden Lautsprecher machen, wäre diese Abmischung auf einem höhenlastigen Lautsprecher deutlich zu höhenbetont, weil man auf den basslastigen Lautsprecher die Höhen mehr anheben würde als nötig.

In einer Studioumgebung braucht man Lautsprecher, die eine Abmischung ermöglichen, die für alle Lautsprecher und Kopfhörer geeignet sind.

Notwendig ist, dass diese Lautsprecher das Signal möglichst wenig verzerrt darstellen. Also möglichst neutral sind. Eine der Bedingungen dazu, eine linere Wiedergabe

Dazu verwendet man Nahfeldmonitore. Bei Thomann findet man bei diesen Nahfeldmonitoren immer wieder begeisterte Kundenberichte, in welchen zu lesen ist, der Kunde hätte seine Stereoboxen entsorgt und würde nur noch Musik über diese Abhörmonitore hören.

In HIFI-Foren fand ich ähnlich lautende Berichte.

Ich schlich eine Zeit lang um dieses Thema, wie die Katze um den heißen Brei und schlug dann irgendwann zu. Jetzt habe ich solche Nahfeldmonitore.

Hat es sich gelohnt?

Eindeutiges ja.

Zuerst aber einige Hinderungsgründe, warum man sich keine Abhörmonitore als Stereoboxen kaufen sollte.

Es gibt einen „sweet spot”, um in den vollen Genuss der Abhörmonitore zu kommen. Dazu muss man diese nach bestimmten Regeln auf Ständer im Raum aufstellen. Das dürfte vielen zu sehr in die Raumaufteilung eingreifen. In anderen Worten, die Monitore verschandeln unter Umständen die Inneneinrichtung.

Diese Nahfeldmonitore sind Schwergewichte. Pro Box habe ich Gewichte zwischen 10 -15 kg gesehen. Ein Kleinkind oder Haustier dürfte so eine Box auf einem Ständer aufgrund des ungünstigen Schwerpunktes ziemlich leicht umkippen. Wenn dann das betreffende Lebewesen von dieser Box quasi erschlagen wird, stelle ich mir sehr heftige Konsequenzen vor.

Meine Hauptbesorgnis war, dass bei den Wattzahlen Konflikte mit meinen Nachbarn entstehen würden, weil aus meiner bisherigen Erfahrung eine Art Minimallautstärke notwendig ist, um Musik gut zu hören.

Grundsätzlich kann ich erst einmal feststellen, die empfundene Lautstärke zur Wattzahl ist eher gering. Lautsprecher mit deutlich geringeren Wattzahlen sind bei halber Lautstärke ohrenbetäubend. Diese Abhörmonitore sind immer noch sehr dezent.

Jetzt musste ich feststellen, dass dieses Musik-lauter-Drehen um die Musik besser hören zu können, wahrscheinlich ein Zeichen von schlechter Qualität meiner bisherigen Boxen und Lautsprecher ist.

Mit den Nahfeldmonitoren höre ich die Musik auch leise sehr gut.

Einer der wichtigen Aufgaben für Nahfeldmonitore soll sein, dass man den räumlichen Ort eines Instrumentes klar verorten kann.

Und es ist tatsächlich so. Bisher musste ich bewusst darauf achten, woher kommt der Klang. Bei den Nahfeldmonitoren bekomme ich das mit, ohne es wollen zu müssen.

Wobei ich noch eine Feststellung machen konnte. Bei Popmusik ist die Örtlichkeit präziser dargestellt als bei Klassik.

Dabei konnte ich in meinen Augen eine witzige Beobachtung bei Musikvideos machen. Die Instrumente sind häufiger an anderen Orten zu hören als auf dem Bildschirm zu sehen.

Auch erfreulich ist, ich höre eigentlich jede Instrumentengruppe klar heraus. Ich habe das auch bei “fetten” Sinfoniebrummern wie bei Mahler und Schostakovich probiert. Es ist beeindruckend.

Ich würde sogar soweit gehen, wer sich Lautsprecher für seinen Unterrichtsraum anschaffen will, sollte Nahfeldmonitore antesten. Die Musik ist wesentlich besser durchhörbar. Insbesondere wenn man sich für den Bass und die tiefen Bereiche der Musik interessiert.

Sollte man polyfone Musik mit seinen Schülern hören, dann erleichtern Nahfeldmonitore das Hören der Einzelstimmen.

Würde ich jetzt so weit gehen und empfehlen, die Boxen der heimischen Stereoanlage mit Nahfeldmonitoren zu ersetzen?

Kommt darauf an. Aus meinen bisherigen Erfahrungen würde ich sagen, normale Boxen sind so gebaut, dass sie den Raum ausfüllen, Nahfeldmonitore, dass man die Musik an einem bestimmten Punkt gut hören kann.

Das führt dazu, dass wenn ich diesen Punkt verlasse und z. B. seitlich zu den Boxen stehe, die Veränderung des Klanges größer ist als bei normalen Lautsprechern.

Die Veränderung ist meiner Erfahrung nach hauptsächlich der Lautstärkeeindruck. Die gute Durchhörbarkeit bleibt erhalten.

Aber diesen Verlust von Lautstärke mag mancher als ziemlich störend empfinden.

No related posts.

Man kann fast immer davon ausgehen, dass ein Zerlegungsstück einen mehrstimmigen Satz abbildet. Im Normalfall fällt ein Finger mit einer Stimme in diesem Satz zusammen. Wenn es nicht so ist, ist es für die Übemethode kein Problem. Für den Übenden macht es die Sache unter Umständen komplizierter.

1.       Man macht sich klar, was für (ein) Finger, welche Stimme spielt.

2.       Man spielt das Stück langsam und hebt eine Stimme hervor und spielt die anderen Stimmen sehr leise. Darauf achtet man bei der hervorgehobenen Stimme darauf, dass die Töne von gleicher Lautstärke und Tonqualität sind.

3.       Je nach musikalischer Erfahrung, bilden diese hervorgehobenen Stimmen Melodien. Die Töne, die auf die volle Zeit kommen und meist mit dem Daumen gespielt werden, ergeben auch für den ungeübten Hörer eine Melodie. Je weiter entfernt die Töne im musikalischen Sinne von einer betonten Zeit sind, desto schwieriger wird es.
Persönlich glaube ich, wenn man synkopische Bläsersätze aus dem Big-Bandbereich kennt, dann tut man sich wesentlich leichter, eine musikalisch Struktur zu hören.

4.       Sobald man den Eindruck hat, etwas sinnvoll musikalisches zu hören, spielt man das Stück normal, aber versucht die so eben erkannte Melodie trotzdem zu erkennen.

5.       Dann geht man zur nächsten Stimme.

Related posts:

1. Mehrstimmigkeit üben

Mir ist diese Schule durch eine Schülerin, die momentan in die dritte Klasse geht, in die Hände gefallen. Es war ein Weihnachtsgeschenk. Sie hat mir daraus eine Übung vorgemacht. Bei dieser Übung dachte ich, entweder hat da jemand über die Schwierigkeiten nachgedacht, dann sollte ich mir das Buch genauer ansehen, oder meine Schülerin hat etwas total missverstanden.

Ebenfalls ich bat, mir die Schule mal ausleihen zu dürfen.

Zu erst sticht die Schule rein optisch aus allen Lehrwerken heraus. Es ist eindeutig ein Buch und kein zu dickes Heft. Das Papier ist hochwertig, fest und es macht optisch einen hochwertigen und gut gelayouteten Eindruck.

Das dem optischen Eindruck hohe Bedeutung beigemessen worden ist, erkennt man daran, dass der Illustrator Norbert Maier wie ein Autor auf dem Buchcover genannt wird.

Da sind wir schon beim ersten Problem dieser Gitarrenschule. Durch die kindgerechte Verpackung wird der Inhalt der Gitarrenschule nicht kindgerecht. Ich habe schon andere Konzepte gesehen, die den Problemen von Kindern bei der Schlaggitarre  deutlich gerechter werden.

Hier ist der Frust vorprogrammiert.

Nehmen wir jetzt mal an, das Layout wäre an das Alter der Zielgruppe angepasst, für die der Inhalt eher geeignet ist, würde ich die Schule als gute Schule ansehen?

Auch hier sind viele Dinge, die bei vielen Frust erzeugen werden.

Grundsätzlich bin ich der Ansicht, das Hauptproblem bei der Schlaggitarre ist der Griffwechsel. Deswegen sollte man im Anfangsspielmaterial, die Schlagmuster und Tempi so wählen, dass für den Griffwechsel genügend Zeit bleibt.

Die Schlagmuster und Tempi sind so gewählt, dass meiner Erfahrung nach eine große Mehrheit damit Schiffsbruch erleiden wird.

Auch die anfänglichen Zählübungen sind für einen musikalischen Unerfahrenen besonders bei den genannten Metronomzahlen zu schwer. Hier fehlt eine schrittweise Heranführung.

Dadurch, dass das erste Lied mit den Griffen am und G gespielt wird, wird die Lattte auch höher gelegt als notwendig.

Die große Monstergitarrenschule versucht sich dann in einer didaktisch wertvollen Gliederung des zu spielenden Liedmaterials. Als Kriterium wurde die Anzahl der pro Lied verwendeten Akkorde gewählt. Da es leichte und schwere Griffverbindungen gibt, ist diese nicht geeignet ein progressives Ansteigen des Spielmaterials zu verwirklichen.

Hie und da stehen sehr brauchbare Dinge in dieser Schule. Z.B. je lockerer die Hände desto besser kann man die Finger dehnen. So was habe ich bisher in keiner Schule gelesen.

Aber andererseits stehen viele unbrauchbare Dinge in dieser Schule. Z.B. die Erklärung der Intervalle. Die ergibt keinen Sinn. Es fehlen die grundlegenden Informationen, um das Geschriebene zu verstehen. Damit ist aber auch nicht möglich, die Akkorde zu verstehen. Die Autoren schreiben aber selber, sie würden die Intervalle erklären, damit man die Akkorde versteht.

Anderes finde ich so simplifiziert, dass man es besser nicht erwähnt hätte, weil wenn diese Dinge nicht in das rechte Licht gerückt werden, führen sie eher zu Missverständnissen.

Z.B. die These Haltung müsse bequem sein. Das ist so falsch. Haltung ist funktional, was ganz gerne damit einhergeht, dass sich Dinge bequem anfühlen. Aber es ist kein Signal, dass die Haltung wirklich dem Spiel förderlich ist. Manch bequeme Haltung ist eigentlich Spielschäden förderlich. Z.B. die klassische Haltung ohne Fussbänkchen fühlt sich für viele bequemer an, aber das abgeknickte Handgelenk ist ein Katalysator für Sehnenscheidenentzündungen.

Letztendlich hat sich mir folgende Erklärung aufgedrängt, warum diese Gitarrenschule das Licht der Welt erblickt hat.

Man hat in einem fachfremden Verlag zwei BigNames aus der Filmusikszene und Animationsfilmszene zusammengeworfen in der Hoffnung, dass das Ergebnis inhaltlich schon passen wird. Da die Verpackung besser ist als bei herkömmlichen Schule, nimmt man an, einen Kassenschlager kreiert zu haben.

Letztendlich bleibt, Marketing kann Didaktik nicht ersetzen, auch wenn es weniger knallig bunt ist.

Persönlich finde ich solche Schulen ein Ärgernis. Obwohl solche Schulen bei den Menschen zu der Erkenntnis führen ein Lehrer wäre doch nicht schlecht, entmutigen diese Schulen auch die Menschen.

Vor kurzem habe ich einen Schüler bekommen, der sich aufgrund seiner Erfahrung als motorisch unbegabt beschrieben hat. Er hatte starke Zweifel an seiner Fähigkeit Gitarre überhaupt lernen zu können. Dies hat sich als falsch erwiesen. Dieser Schüler gehört zu den eher flotteren Schülern. Und ein Bewegungslegastheniker, so die Selbstbezichtigung des Schülers, ist er wirklich nicht.

Nachtrag: Ich habe mal meine Schüler zu dem Layout gefragt. Die Altersgruppe, von der ich dachte, dass sie gemeint ist, fand dieses Layout eher kindisch. Das waren Kinder aus der dritten und vierten Klasse. Die Schülerin, die mir die Schule gegeben hat, verwendete sogar den Begriff “albern”.

No related posts.

Deswegen habe ich dies jetzt auch mal mit einem Schüler im Unterricht gemacht. Der Schüler stieß ganz entgeistert aus: „Das sind ja Melodien!” Er war von dieser Tatsache sehr fasziniert und probierte dies auch mit den anderen Stimmen des Stückes aus. Er hatte wiederum die gleiche Erkenntnis.

Weiter stellte er fest, dass die Gliederung dieser Melodien die von ihm wahrgenommene Form des Stückes widerspiegelt.

Ich erzählte ihm, dass bei Zerlegungsstücken meist ein mehrstimmiger Satz zugrunde liegen würde. Wie diese Stimmen geführt werden, unterläge den Gesetzen des Kontrapunktes und deswegen würde der Melodiencharakter entstehen.

Als ich dem Schüler das Grundprinzip des Kontrapunktes erklärte, probierte er zwei Stimmen gleichzeitig zu spielen. Das Ergebnis schien ihn sehr zu beschäftigen. Er war so in seinem Nachhören versunken, dass ich die nächsten paar Minuten Sendepause hatte. Auch hier stellte er zu seinem großen Erstaunen fest, dass dies musikalisch sinnvolle Strukturen ergab, welche auch wieder die von ihm wahrgenommene Form des Stückes widerspiegelten.

Als der Schüler das Stück wieder normal spielte, stellte er fest, dass er plötzlich die Stimmen hören würde und dass er den musikalischen Verlauf deutlicher wahrnehmen würde.

Inspiriert von diesem Erlebnis musste ein weiterer Schüler diese Herangehensweise ausprobieren. Bei ihm auch das gleiche Erstaunen und die gleiche Veränderung in der Wahrnehmung des Stückes.

No related posts.

Man kann auch nach folgendem Prinzip verfahren. Man wendet auf ein sehr kurzes Segment die Methode von Feinkoordination zwischen Links und Rechts an und versucht dann dieses Segment möglichst schnell zu spielen.

Was bringt diese Methode? Die meisten haben vielleicht die Erfahrung gemacht, wenn man versucht ein Segment möglichst schnell zu spielen, lässt die Qualität sehr stark nach. Vor allem der letzte Ton oder die letzten Töne leiden extrem stark. Meistens ist das Mehr an Verspannung daran schuld.

Da ich bei Slowmotion kaum Verspannungsreaktionen habe, kann ich dieses Gefühl beim Möglichst-schnell-Spielen als Vorbild verwenden. Dadurch wird die Verspannungsreaktion deutlich gemindert.

Andererseits kann ich bei Slowmotion auch den Verlauf des Kuppen-Nagel-Saitenkontakts sehr gut und deutlich wahrnehmen. Beim direkt darauf folgendem Möglichst-schnell-Spielen kann ich diesen Kuppen-Nagel-Saitenkontakt wesentlich besser wahrnehmen. Nach einigen Versuchen verändert sich der Kuppen-Nagel-Saitenkontakt kaum noch verglichen zu dem Slow-Motion-Ergebnis.

Letztendlich bilden sich die negativen Folgen des Möglichst-schnell-Spielens bei dem oben beschriebenen Extrempendel bei Weitem nicht so stark aus, als wenn ich ein Segment in fortwährender Wiederholung möglichst schnell spiele.

Related posts:

1. Slowmotion Erfahrungen
2. Koordination zwischen Links und Rechts
3. Die Griffbrettschlange

Das EWI vermittelt mir viele spannende musikalische Einsichten und dürfte auch meine musikalische Sensibilität steigern. In meiner Begeisterung würde ich sogar soweit gehen, so ein Gerät wie das EWI sollte für jeden Musikstudenten zum Pflichtprogramm gehören.

Wieso? Auslöser meines EWI-Kaufes war das Experiment mit Melodyne meinen aufgenommenen Gesang oder Gitarrenspiel in MIDI-Dateien zu wandeln. Der Eindruck war, dass das Ergebnis wesentlich lebendiger klang. Aber Melodyne hat die Veränderung der aufgenommenen Parameter zu stark verfälscht, sodass ich eine direktere Methode haben wollte.

Meine Vision war, Du bläst in das Gerät rein als würdest Du singen und Du erhältst wunderbar musikalische MIDI-Dateien. Und das funktioniert nicht. Das funktioniert eigentlich nur solange, wie ich mit Gesangssample arbeite. Wechsle ich dann auf ein Cello über, hört sich das Ganze eher gewöhnungsbedürftig an. Ich muss anders blasen, wenn ich mit einem Celloklang arbeite. Aber nicht deswegen, damit das Ergebnis identisch zum Gesangsklang wird, sondern das Cello will eine andere Gestaltung der Melodie als ein Gesangsklang. Es ist keine Welt, aber es ist sehr erleuchtend, eine Melodie eines Stückes, dass ich auf der Gitarre übe, mit verschiedenen Klängen auszuprobieren. Letztendlich würde ich sagen ich begreife die Struktur der Melodie besser.

Aus eine Schnapslaune habe ich mal versucht bei einer Haydnsinfonie die einzelnen Instrumente mit dem entsprechenden Klang mitzuspielen. Zu erst es macht einen Riesenspaß mitzuspielen.

Durch den Blaswandler wird die Musik körperlich wesentlich intensiver miterlebt, als bei reinem Zuhören. Auch wenn man z. B. einen lang gezogenen Klang der tiefen Instrumente mitspielt und sich die Harmonien darüber verändern, dann ist das ein wesentlich intensiveres Erleben als dies nur zu hören.

Related posts:

1. EWI USB Akai - Erfahrungsbericht - Teil 2
2. EWI USB Akai - Erfahrungsbericht - Teil 1
3. Soundfonts, Samples, Softwareinstrumente - Teil 1

Ich habe wenige kritische Besprechungen zu diesen Oktavrollen gefunden. Die meisten anderen fanden diese Oktavrollen problemlos.

Ich kann beide Seiten verstehen. Die Oktavrollen setzen voraus, dass man den Daumen parallel verschiebt. Dies ist aber anatomisch nicht möglich. Das führt dazu, dass in der obersten bzw. in der untersten Oktave, der Daumen so schief sitzt, sodass man ganz leicht aus Versehen in die Nachbaroktave kippt. Das ist zwar letztendlich beherrschbar, aber ich finde Oktavklappen sind weniger empfindlich. Ich könnte mir aber vorstellen, dass bei entsprechender Daumenanatomie die Sache zu unbeherrschbar wird.

Mir ist jetzt unklar, was sich der Leser erwartet, aber ich hatte einige verblüffende Erkenntnisse, denn die Softwaresampler reagieren auf die eingespielten Daten nicht konsistent.

Wenn ich eine Melodie zufriedenstellend als MIDI-Datei mit einem Klarinettenklang einspiele und das Ergebnis mit einem Trompetenklang abspiele, dann kann sich die musikalische Qualität verändern.

Es ist besonders extrem, wenn man zwischen Streicherklängen und Bläserklängen hin- und her wechselt. Wenn ich bei einem Bläserklang einen Zungenstoß als notwendig empfinde und es sich richtig anhört, dann finde ich das akustische Loch eines Zungenstoßes mit einem Streicherklang als musikalisch falsch.

Dieses Problem besteht schon, wenn man innerhalb der Klänge eines Softwaresamplers hin- und herwechselt. Noch stärker treten die Diskrepanzen auf, wenn man zwischen verschiedenen Softwaresamplern hin- und herwechselt.

Ich habe weiter oben schon die mangelnde Dokumentation bemängelt. Es ist möglich einzustellen, was für einen Parameter des MIDI-Standards die einzelnen Sensoren ansprechen. Es ist auch möglich, die Empfindlichkeit des Sensors zu beeinflussen.

Dummerweise verändert der eine Softwaresampler die Lautstärke, indem man den Parameter „Aftertouch” anspricht, bei dem anderem muss man den Parameter „Volume” wählen. Das wäre nicht weiter schlimm, wenn die Reaktion auf den Atemfluss dieselbe bliebe.

Ein und derselbe Softwaresampler reagiert auch noch unterschiedlich, je nachdem, ob die Standaloneversion oder ihn als VST-Plugin anspreche.

Das ist jetzt nicht dem EWI anzukreiden, das dürfte einfach daran liegen, dass es keinen technischen Standard gibt.

Related posts:

1. EWI USB Akai - Erfahrungsbericht - Teil 3
2. EWI USB Akai - Erfahrungsbericht - Teil 1
3. Parametervariation (Teil 5)

Warum kauft sich so etwas ein klassischer Gitarrist? Es gäbe viel zu erzählen. Die grundsätzliche Idee war, ich müsse meine MIDI-Dateien nicht mehr via händischer Arbeit nachbehandeln, sondern einfach einspielen. Da ich während meines Studiums im Nebenfach statt Klavier Saxophon gespielt habe, davor Querflöte, und deswegen mit Holzblasinstrumenten deutlich vertrauter als mit Tasteninstrumenten bin, schien mir das die für mich einfacher handbarere Methode zu sein.

Der Lieferumfang: Zu dem Blaswandler erhält man noch einen Gurt und eine Software, um Soundbänke der Garritan Library zu nutzen und eine Kurzanleitung. Da ich mein EWI in USA bestell habe, kann es sein, dass die Anleitung bei in D gekauften Geräten besser ist. Wünschenswert wäre es.

Zum Gurt. In den Kritiken wird dieser Gurt immer wieder verrissen. Deswegen habe ich mir einen sehr unbequemen Gurt erwartet. Das würde ich dem Gurt ausdrücklich nicht bescheinigen. Aber der Haken zur Befestigung ist so geformt, dass ich fortwährend Angst habe, dass mir das EWI rausfällt. Wenn ich das Instrument anhebe, fällt der Haken aus der Öse schon fast automatisch heraus.

Die Garritan Software scheint ein Ausschnitt aus den zwei Libaries zu sein, die es von Garritan gibt. Ob das Interface extra für den Blaswandler geschrieben worden ist oder der Garritansoftware entspricht, entzieht sich meiner Kenntnis. Die Software lässt sich auch als VST, DXi oder RSTAS-Plugin in die Aufnahmesoftware einbinden.

Zu erst zum Blasgefühl. Im Netz stand, er wäre sehr leichtgängig. Ich finde diesen Blaswandler anstrengend. Ich fand Querflöte und Saxophon deutlich weniger anstrengend. Das kann aber auch an mir liegen. Denn ich habe seit fünfzehn Jahren in kein Blasinstrument reingeblasen und ich befürchte ich spüre so mein Alter. Hinzu kommt, dass ich überdurchschnittlich viel Sport treibe, sodass mich Ärzte mich auf meine Sauerstoffwerte ansprechen. Vielleicht habe ich mittlerweile auch zu viel Kraft in den Lungen und schlage mich mit dem ganzen Rückstau rum.

Es ist möglich im Konfigurationsmenü etwas namens „Breath Gain” einzustellen. Damit kann man einstellen, wie laut das Instrument auf die Grundatemstärke anspricht. Stärkerer oder schwächerer Luftstrom wird entsprechend in geringere oder höhere Lautstärke umgesetzt.

Als ich von Querflöte auf Saxophon umgestiegen bin, fand ich, dass die Klappen beim Saxophon zickiger waren als bei einer Querflöte. Die EWI-Klappen sind noch zickiger. Letztendlich ist der Begriff „Klappe” irreführend. Die Klappen können mechanisch nicht bewegt werden, sondern sobald sie berührt werden, reagieren sie. Der Wechsel h - c, war für mich auf der Flöte und auf dem Saxophon nie ein Problem, beim EWI muss ich extrem aufpassen, dass es nicht schmiert.

Related posts:

1. EWI USB Akai - Erfahrungsbericht - Teil 3
2. EWI USB Akai - Erfahrungsbericht - Teil 2
3. Zoom H2 - Erfahrungsbericht

Eigentlich soll es ja so sein und so ist es auch vorgesehen, dass das Versandunternehmen beim Zoll in Vorkasse geht, die Sachen einem nach Hause bringt, man den Zoll entrichtet und die Ware in Empfang nimmt.

Mein Paket wurde beim Zoll abgefangen, ich erhielt ein Schreiben, es wäre keine Rechnung an der Außenseite des Paketes und ich möge mit den Kaufbelegen vorbei kommen. Trotz dieser Nachricht stand in dem Zollformular eine Wertangabe, die nur dem Drittel des Kaufwertes entsprach. Ich wurde nervös, dass ich falsche Ware geliefert bekommen hätte.

Als ich mit dem Zollbeamten sprach stellte sich heraus, dass ich kein Einzelfall bin.

Es sei mittlerweile eine weit verbreitete Methode der ausländischen Versender, die Pakete so zu gestalten, dass der Empfänger deutlich weniger Zoll zahlen muss. Deswegen würde man diese Angaben grundsätzlich nicht mehr anerkennen, sondern die Leute auf die Zollübergabestelle zitieren.

Ich habe nicht nachgefragt, ob das jetzt diese Zollstelle so hält oder mittlerweile der ganze deutsche Zoll. Aber ich befürchte, dass Zweiteres zutrifft. Ich habe von solchen Falschdeklarierungen schon im Nebenbei gelesen, ohne dass ich mich schon für diese Problematik interessiert hätte.

Je nachdem, wo die nächste Zollübergabestelle ist, kann der Zeitaufwand für das Abholen des Paketes und die daraus entstehenden Kosten, die Überlegungen verändern.

Z.B. die Zollstelle in Frankfurt hat von 7:00 bis 15:00 Uhr geöffnet. Für mich optimale Zeiten. Für einen Arbeitnehmer eher ärgerlich.

Was mich aber viel mehr gestört hat und von dem ich nicht weiß, ob es hätte böse ins Auge gehen können für mich, der Versender hat eine Rechnung in das Paket gelegt. Aber sogar die war falsch abgefasst.

Mal schauen was das Finanzamt dazu sagt, ob es meinen Ebaybelegen glaubt oder den Rechnungen.

Andererseits hat dieses System auch seine Vorteile.

Der erste Vorteil war, das Paket wurde geöffnet. Wäre die falsche Ware drin gewesen, hätte ich die Annahme verweigert und hätte mir das teure Rücksendeporto nach Amerika gespart.

Meine größte Sorge war aber, dass der Zoll diesen Blascontroller nicht als Instrument einordnen würde, sondern als elektronischen Gegenstand und damit ein höherer Zoll fällig werden würde. In meinem Fall konnte ich dem Beamten erklären, was er da vor sich hat und er kam dann auf die gleiche Zollziffer wie ich.

No related posts.

Also hatte ich folgende Idee.

• Kunstnägel aufkleben
• richtige Nagelform für die Kuppe herausfinden. Wenn es schief geht, neuen Nagel aufkleben.
• Nagel soweit wachsen lassen, bis Kunst- und Naturnagel eine Kante bilden
• nachdem der Kunstnagel abgenommen worden ist und der Naturnagel sehr spröde geworden sein sollte, das Weiße des Nagels mit einem Zweikomponentengel versiegeln und den Rest mit Nagelcreme pflegen

Das Ergebnis war sehr erfreulich, bzw. es gab keine Probleme. Besonders positiv fand ich, es gab keine Klagen, über an der Saite hängen bleiben oder Ähnliches. Beim nächsten Schüler werde ich das auch versuchen.

Eine Sache ist mir auch aufgefallen. Ich persönlich finde es schwer etwas über die richtige Nagelform zu sagen, wenn ich einen Naturnagel vor mir habe, der meistens eher zu kurz ist.

Ich hatte die Sorge bei dem Experiment, dass es mir bei den Kunstnägeln genauso gehen wird. Aus der Situation heraus habe ich dem Schüler die ersten zwei Kunstnägel gefeilt. Erstaunlicherweise musste ich genauso wenig beim Feilen probieren als würde ich mir selbst den Nagel zurechtfeilen.

Es war besonders erstaunlich, weil dieser Schüler gänzlich anders geformte Fingerkuppen hat als ich.

Ich glaube der entscheidende Grund war, dass ich durch das Feilen eine kinästhetische Rückmeldung hatte, die mir die relevanten Informationen gab. Auffallend finde ich, dass ich nicht sagen kann, was mir da meldet, dass es gut ist.

No related posts.

Theoretisch ja, weil es viele Möglichkeiten gäbe, Schülern Dinge zu demonstrieren. Eine meiner Lieblingsanwendungen wäre, der Schüler muss Bewegungen im 3D-Modell nachbauen. Aber es gäbe auch einfachere und praktischere Dinge.  Zum Beispiel glaube ich, dass die visuelle Darstellung von Bewegungsabläufe an einem Bildschirm besser fassbar sind.

Bei Wiederholungen finden keine minimalen Veränderungen statt, die das Erfassen des eigentlichen Mechanismus erschweren. Die Verrenkungen,die ich machen muss, um auf das Entscheidende zu deuten, die aber zugleich eine Verfälschung sind, entfallen. Erleichternd kommt hinzu, dass ich als Lehrer mich mehr auf die Erklärung konzentrieren kann, weil ich nicht mit der Bewegung beschäftigt bin.

So weit die Theorie, aber praktisch gesehen, woher kommt ein brauchbares und nutzbares Modell. Ich bin eigentlich jemand, der sich in Dinge hineinfuchst. Aber bei all den Schwierigkeiten und Eigenwilligkeiten, auf die ich stoße, ist mir allmählich der Elan vergangen, ein Modell mit Blender zu entwerfen.

Ich weiß jetzt nicht, ob dies die Eigenwilligkeiten sind, die mir schon öfters in der Opensourcewelt begegnet sind oder ob es die Eigenwilligkeiten sind, die ich mit Grafikprogrammen verbinde, letztendlich dürfte es aber eine Herangehensweise sein, die den meisten nur über zu kaufende Lösung zugänglich sein würde. Die Preise, die ich im 3D-Bereich gesehen haben, lassen dann ziemlich schnell die Frage nach Aufwand und Nutzen stellen.

Die andere Frage, die sich auch stellt, wäre es möglich ein einigermaßen realistisches Modell zu entwickeln. Ich habe mir einige Handmodelle angesehen. Faszinierend war, dass mir sehr häufig die Irrtümer über Mechanismen über den Weg liefen, die ich auch von meinen Schülern kenne. Aber grundsätzlich waren diese Modelle alle zu grob und nicht geeignet, um Bewegungen des Gitarrespiels nachzubauen.

Related posts:

1. Was mir beim 3D-Animieren so aufgefallen ist - Teil 1
2. Was mir beim 3D-Animieren so aufgefallen ist - Teil 2

Die meist verwendete Perspektive bei Lehrwerken ist die Sichtweise eines Menschen, der vor einem Gitarristen sitzt. Wenn ich über meine Bewegungen visuell nachdenke, denke ich auch in diesen Perspektiven nach. Nie aus der Perspektive wie ich eigentlich meine Finger sehe.

Es stellt sich mir aber die Frage, aus was für einer Perspektive denkt ein Schüler über seine Finger nach? Ist das altersabhängig oder erfahrungsabhängig? Wenn sich die Perspektive des Erklärungsmodells von der des Schülers unterscheidet, wie gut kann er die Erklärung in seine Perspektive umsetzen. Die weitere Frage lautet, wie genau und exakt ist die visuelle Vorstellung einer Bewegung bei einem Schüler? Gibt es eine Systematik, wie sich diese Vorstellung entwickelt? Meine These lautet:

• zuerst denkt der Schüler über die Bewegungsbahnen der Finger nach,
• dann über die Formen der Finger,
• danach wie die Formen der Finger sich zueinander verhalten.

Auch ist mir aufgefallen, dass unsere Sprache von zur Bewegungsschreibung einen Aspekt ausspart. Körperliche Bewegungen werden selten als Winkeländerung zwischen zwei Körperteilen also Knochen beschrieben.

Bei der Greifbewegung verändert sich der Winkel zwischen Handknochen und Grundglied des Fingers. Das bedeutet die Form, welche die beiden Knochen bilden, ändert sich. Die stillschweigende Annahme vieler dürfte sein, dass sich diese Form nicht ändert, sondern statisch bleibt. Dies hat aber wiederum Konsequenzen für die Bewegungsausführung.

Eine weitere Beobachtung konnte ich machen, von der mir nicht klar ist, ob sie so zu verallgemeinern ist. Bewegungsrhythmen in der rechten Hand sind teilweise sehr komplex und deswegen schwer merk- und vorstellbar. Für mich wird diese Vorstellung deutlich leichter, wenn ich in dem für mich eigentlich ungewohnten System der Stellung der Knochen und der Bewegung der Knochen zueinander denke.

Bei den Versuchen Bewegungen nachzubauen ist mir eine weitere in meinen Augen interessante Sache aufgefallen. Um eine Bewegung nachzubauen, muss man wirklich wissen, was für Körperteile wie beteiligt sind.

Dabei bemerkt man, wie komplex teilweise die Bewegungsabläufe sind. Die Lösung man teilt den Bewegungsablauf in mehrere Etappen auf. So weit so trivial. Aber diese Idee kann ma auch anwenden, wenn man überfordert ist, sich einen Bewegungsablauf in der Wirklichkeit vorzustellen. Für mich ein ziemlich neuer Gedanke, der mir auch anderenorts noch nicht begegnet ist.

Related posts:

1. Was mir beim 3D-Animieren so aufgefallen ist - Teil 1
2. Was mir beim 3D-Animieren so aufgefallen ist - Teil 3
3. Geometrische Körperexperimente - Teil 3