Ich habe wenige kritische Besprechungen zu diesen Oktavrollen gefunden. Die meisten anderen fanden diese Oktavrollen problemlos.

Ich kann beide Seiten verstehen. Die Oktavrollen setzen voraus, dass man den Daumen parallel verschiebt. Dies ist aber anatomisch nicht möglich. Das führt dazu, dass in der obersten bzw. in der untersten Oktave, der Daumen so schief sitzt, sodass man ganz leicht aus Versehen in die Nachbaroktave kippt. Das ist zwar letztendlich beherrschbar, aber ich finde Oktavklappen sind weniger empfindlich. Ich könnte mir aber vorstellen, dass bei entsprechender Daumenanatomie die Sache zu unbeherrschbar wird.

Mir ist jetzt unklar, was sich der Leser erwartet, aber ich hatte einige verblüffende Erkenntnisse, denn die Softwaresampler reagieren auf die eingespielten Daten nicht konsistent.

Wenn ich eine Melodie zufriedenstellend als MIDI-Datei mit einem Klarinettenklang einspiele und das Ergebnis mit einem Trompetenklang abspiele, dann kann sich die musikalische Qualität verändern.

Es ist besonders extrem, wenn man zwischen Streicherklängen und Bläserklängen hin- und her wechselt. Wenn ich bei einem Bläserklang einen Zungenstoß als notwendig empfinde und es sich richtig anhört, dann finde ich das akustische Loch eines Zungenstoßes mit einem Streicherklang als musikalisch falsch.

Dieses Problem besteht schon, wenn man innerhalb der Klänge eines Softwaresamplers hin- und herwechselt. Noch stärker treten die Diskrepanzen auf, wenn man zwischen verschiedenen Softwaresamplern hin- und herwechselt.

Ich habe weiter oben schon die mangelnde Dokumentation bemängelt. Es ist möglich einzustellen, was für einen Parameter des MIDI-Standards die einzelnen Sensoren ansprechen. Es ist auch möglich, die Empfindlichkeit des Sensors zu beeinflussen.

Dummerweise verändert der eine Softwaresampler die Lautstärke, indem man den Parameter „Aftertouch” anspricht, bei dem anderem muss man den Parameter „Volume” wählen. Das wäre nicht weiter schlimm, wenn die Reaktion auf den Atemfluss dieselbe bliebe.

Ein und derselbe Softwaresampler reagiert auch noch unterschiedlich, je nachdem, ob die Standaloneversion oder ihn als VST-Plugin anspreche.

Das ist jetzt nicht dem EWI anzukreiden, das dürfte einfach daran liegen, dass es keinen technischen Standard gibt.

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Warum kauft sich so etwas ein klassischer Gitarrist? Es gäbe viel zu erzählen. Die grundsätzliche Idee war, ich müsse meine MIDI-Dateien nicht mehr via händischer Arbeit nachbehandeln, sondern einfach einspielen. Da ich während meines Studiums im Nebenfach statt Klavier Saxophon gespielt habe, davor Querflöte, und deswegen mit Holzblasinstrumenten deutlich vertrauter als mit Tasteninstrumenten bin, schien mir das die für mich einfacher handbarere Methode zu sein.

Der Lieferumfang: Zu dem Blaswandler erhält man noch einen Gurt und eine Software, um Soundbänke der Garritan Library zu nutzen und eine Kurzanleitung. Da ich mein EWI in USA bestell habe, kann es sein, dass die Anleitung bei in D gekauften Geräten besser ist. Wünschenswert wäre es.

Zum Gurt. In den Kritiken wird dieser Gurt immer wieder verrissen. Deswegen habe ich mir einen sehr unbequemen Gurt erwartet. Das würde ich dem Gurt ausdrücklich nicht bescheinigen. Aber der Haken zur Befestigung ist so geformt, dass ich fortwährend Angst habe, dass mir das EWI rausfällt. Wenn ich das Instrument anhebe, fällt der Haken aus der Öse schon fast automatisch heraus.

Die Garritan Software scheint ein Ausschnitt aus den zwei Libaries zu sein, die es von Garritan gibt. Ob das Interface extra für den Blaswandler geschrieben worden ist oder der Garritansoftware entspricht, entzieht sich meiner Kenntnis. Die Software lässt sich auch als VST, DXi oder RSTAS-Plugin in die Aufnahmesoftware einbinden.

Zu erst zum Blasgefühl. Im Netz stand, er wäre sehr leichtgängig. Ich finde diesen Blaswandler anstrengend. Ich fand Querflöte und Saxophon deutlich weniger anstrengend. Das kann aber auch an mir liegen. Denn ich habe seit fünfzehn Jahren in kein Blasinstrument reingeblasen und ich befürchte ich spüre so mein Alter. Hinzu kommt, dass ich überdurchschnittlich viel Sport treibe, sodass mich Ärzte mich auf meine Sauerstoffwerte ansprechen. Vielleicht habe ich mittlerweile auch zu viel Kraft in den Lungen und schlage mich mit dem ganzen Rückstau rum.

Es ist möglich im Konfigurationsmenü etwas namens „Breath Gain” einzustellen. Damit kann man einstellen, wie laut das Instrument auf die Grundatemstärke anspricht. Stärkerer oder schwächerer Luftstrom wird entsprechend in geringere oder höhere Lautstärke umgesetzt.

Als ich von Querflöte auf Saxophon umgestiegen bin, fand ich, dass die Klappen beim Saxophon zickiger waren als bei einer Querflöte. Die EWI-Klappen sind noch zickiger. Letztendlich ist der Begriff „Klappe” irreführend. Die Klappen können mechanisch nicht bewegt werden, sondern sobald sie berührt werden, reagieren sie. Der Wechsel h - c, war für mich auf der Flöte und auf dem Saxophon nie ein Problem, beim EWI muss ich extrem aufpassen, dass es nicht schmiert.

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Eigentlich soll es ja so sein und so ist es auch vorgesehen, dass das Versandunternehmen beim Zoll in Vorkasse geht, die Sachen einem nach Hause bringt, man den Zoll entrichtet und die Ware in Empfang nimmt.

Mein Paket wurde beim Zoll abgefangen, ich erhielt ein Schreiben, es wäre keine Rechnung an der Außenseite des Paketes und ich möge mit den Kaufbelegen vorbei kommen. Trotz dieser Nachricht stand in dem Zollformular eine Wertangabe, die nur dem Drittel des Kaufwertes entsprach. Ich wurde nervös, dass ich falsche Ware geliefert bekommen hätte.

Als ich mit dem Zollbeamten sprach stellte sich heraus, dass ich kein Einzelfall bin.

Es sei mittlerweile eine weit verbreitete Methode der ausländischen Versender, die Pakete so zu gestalten, dass der Empfänger deutlich weniger Zoll zahlen muss. Deswegen würde man diese Angaben grundsätzlich nicht mehr anerkennen, sondern die Leute auf die Zollübergabestelle zitieren.

Ich habe nicht nachgefragt, ob das jetzt diese Zollstelle so hält oder mittlerweile der ganze deutsche Zoll. Aber ich befürchte, dass Zweiteres zutrifft. Ich habe von solchen Falschdeklarierungen schon im Nebenbei gelesen, ohne dass ich mich schon für diese Problematik interessiert hätte.

Je nachdem, wo die nächste Zollübergabestelle ist, kann der Zeitaufwand für das Abholen des Paketes und die daraus entstehenden Kosten, die Überlegungen verändern.

Z.B. die Zollstelle in Frankfurt hat von 7:00 bis 15:00 Uhr geöffnet. Für mich optimale Zeiten. Für einen Arbeitnehmer eher ärgerlich.

Was mich aber viel mehr gestört hat und von dem ich nicht weiß, ob es hätte böse ins Auge gehen können für mich, der Versender hat eine Rechnung in das Paket gelegt. Aber sogar die war falsch abgefasst.

Mal schauen was das Finanzamt dazu sagt, ob es meinen Ebaybelegen glaubt oder den Rechnungen.

Andererseits hat dieses System auch seine Vorteile.

Der erste Vorteil war, das Paket wurde geöffnet. Wäre die falsche Ware drin gewesen, hätte ich die Annahme verweigert und hätte mir das teure Rücksendeporto nach Amerika gespart.

Meine größte Sorge war aber, dass der Zoll diesen Blascontroller nicht als Instrument einordnen würde, sondern als elektronischen Gegenstand und damit ein höherer Zoll fällig werden würde. In meinem Fall konnte ich dem Beamten erklären, was er da vor sich hat und er kam dann auf die gleiche Zollziffer wie ich.

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Also hatte ich folgende Idee.

• Kunstnägel aufkleben
• richtige Nagelform für die Kuppe herausfinden. Wenn es schief geht, neuen Nagel aufkleben.
• Nagel soweit wachsen lassen, bis Kunst- und Naturnagel eine Kante bilden
• nachdem der Kunstnagel abgenommen worden ist und der Naturnagel sehr spröde geworden sein sollte, das Weiße des Nagels mit einem Zweikomponentengel versiegeln und den Rest mit Nagelcreme pflegen

Das Ergebnis war sehr erfreulich, bzw. es gab keine Probleme. Besonders positiv fand ich, es gab keine Klagen, über an der Saite hängen bleiben oder Ähnliches. Beim nächsten Schüler werde ich das auch versuchen.

Eine Sache ist mir auch aufgefallen. Ich persönlich finde es schwer etwas über die richtige Nagelform zu sagen, wenn ich einen Naturnagel vor mir habe, der meistens eher zu kurz ist.

Ich hatte die Sorge bei dem Experiment, dass es mir bei den Kunstnägeln genauso gehen wird. Aus der Situation heraus habe ich dem Schüler die ersten zwei Kunstnägel gefeilt. Erstaunlicherweise musste ich genauso wenig beim Feilen probieren als würde ich mir selbst den Nagel zurechtfeilen.

Es war besonders erstaunlich, weil dieser Schüler gänzlich anders geformte Fingerkuppen hat als ich.

Ich glaube der entscheidende Grund war, dass ich durch das Feilen eine kinästhetische Rückmeldung hatte, die mir die relevanten Informationen gab. Auffallend finde ich, dass ich nicht sagen kann, was mir da meldet, dass es gut ist.

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Theoretisch ja, weil es viele Möglichkeiten gäbe, Schülern Dinge zu demonstrieren. Eine meiner Lieblingsanwendungen wäre, der Schüler muss Bewegungen im 3D-Modell nachbauen. Aber es gäbe auch einfachere und praktischere Dinge.  Zum Beispiel glaube ich, dass die visuelle Darstellung von Bewegungsabläufe an einem Bildschirm besser fassbar sind.

Bei Wiederholungen finden keine minimalen Veränderungen statt, die das Erfassen des eigentlichen Mechanismus erschweren. Die Verrenkungen,die ich machen muss, um auf das Entscheidende zu deuten, die aber zugleich eine Verfälschung sind, entfallen. Erleichternd kommt hinzu, dass ich als Lehrer mich mehr auf die Erklärung konzentrieren kann, weil ich nicht mit der Bewegung beschäftigt bin.

So weit die Theorie, aber praktisch gesehen, woher kommt ein brauchbares und nutzbares Modell. Ich bin eigentlich jemand, der sich in Dinge hineinfuchst. Aber bei all den Schwierigkeiten und Eigenwilligkeiten, auf die ich stoße, ist mir allmählich der Elan vergangen, ein Modell mit Blender zu entwerfen.

Ich weiß jetzt nicht, ob dies die Eigenwilligkeiten sind, die mir schon öfters in der Opensourcewelt begegnet sind oder ob es die Eigenwilligkeiten sind, die ich mit Grafikprogrammen verbinde, letztendlich dürfte es aber eine Herangehensweise sein, die den meisten nur über zu kaufende Lösung zugänglich sein würde. Die Preise, die ich im 3D-Bereich gesehen haben, lassen dann ziemlich schnell die Frage nach Aufwand und Nutzen stellen.

Die andere Frage, die sich auch stellt, wäre es möglich ein einigermaßen realistisches Modell zu entwickeln. Ich habe mir einige Handmodelle angesehen. Faszinierend war, dass mir sehr häufig die Irrtümer über Mechanismen über den Weg liefen, die ich auch von meinen Schülern kenne. Aber grundsätzlich waren diese Modelle alle zu grob und nicht geeignet, um Bewegungen des Gitarrespiels nachzubauen.

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Die meist verwendete Perspektive bei Lehrwerken ist die Sichtweise eines Menschen, der vor einem Gitarristen sitzt. Wenn ich über meine Bewegungen visuell nachdenke, denke ich auch in diesen Perspektiven nach. Nie aus der Perspektive wie ich eigentlich meine Finger sehe.

Es stellt sich mir aber die Frage, aus was für einer Perspektive denkt ein Schüler über seine Finger nach? Ist das altersabhängig oder erfahrungsabhängig? Wenn sich die Perspektive des Erklärungsmodells von der des Schülers unterscheidet, wie gut kann er die Erklärung in seine Perspektive umsetzen. Die weitere Frage lautet, wie genau und exakt ist die visuelle Vorstellung einer Bewegung bei einem Schüler? Gibt es eine Systematik, wie sich diese Vorstellung entwickelt? Meine These lautet:

• zuerst denkt der Schüler über die Bewegungsbahnen der Finger nach,
• dann über die Formen der Finger,
• danach wie die Formen der Finger sich zueinander verhalten.

Auch ist mir aufgefallen, dass unsere Sprache von zur Bewegungsschreibung einen Aspekt ausspart. Körperliche Bewegungen werden selten als Winkeländerung zwischen zwei Körperteilen also Knochen beschrieben.

Bei der Greifbewegung verändert sich der Winkel zwischen Handknochen und Grundglied des Fingers. Das bedeutet die Form, welche die beiden Knochen bilden, ändert sich. Die stillschweigende Annahme vieler dürfte sein, dass sich diese Form nicht ändert, sondern statisch bleibt. Dies hat aber wiederum Konsequenzen für die Bewegungsausführung.

Eine weitere Beobachtung konnte ich machen, von der mir nicht klar ist, ob sie so zu verallgemeinern ist. Bewegungsrhythmen in der rechten Hand sind teilweise sehr komplex und deswegen schwer merk- und vorstellbar. Für mich wird diese Vorstellung deutlich leichter, wenn ich in dem für mich eigentlich ungewohnten System der Stellung der Knochen und der Bewegung der Knochen zueinander denke.

Bei den Versuchen Bewegungen nachzubauen ist mir eine weitere in meinen Augen interessante Sache aufgefallen. Um eine Bewegung nachzubauen, muss man wirklich wissen, was für Körperteile wie beteiligt sind.

Dabei bemerkt man, wie komplex teilweise die Bewegungsabläufe sind. Die Lösung man teilt den Bewegungsablauf in mehrere Etappen auf. So weit so trivial. Aber diese Idee kann ma auch anwenden, wenn man überfordert ist, sich einen Bewegungsablauf in der Wirklichkeit vorzustellen. Für mich ein ziemlich neuer Gedanke, der mir auch anderenorts noch nicht begegnet ist.

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Die Idee war eigentlich nicht nur eine Fingerspitze zu bewegen, sondern einen ganzen Finger. Aber dann wird der dahinterstehende Mechanismus nicht so gut erkennbar. Deswegen habe ich den restlichen Finger wieder weggeschnitten und nur die Fingerspitze übrig gelassen.

Lehrreich für mich waren einige Dinge. Zuerst wie ich dem Programm klar mache, wie es meine Fingerspitze bewegen soll.

Ich musste ein Skelett, das in der Struktur identisch mit dem Fingerskelett ist, entwerfen. Darüber steuere ich dann auch meine Fingerspitze.

Aus Gitarrenlehrwerken kenne ich die Darstellungsweise, dass die Bewegungsbahn der Fingerkuppe skizziert ist. So wurden auch mir meistens Bewegungen erklärt und so erkläre ich sie auch meistens.

Blender will aber andere Angaben. Blender will die Stellungen der einzelnen Knochen wissen. Betrachtet man sich die Sache genauer, erscheint diese Art der Bewegungsdefinition als die einzig mögliche. Aus einer Bewegungsbahn geht nicht hervor, was für Körperteile beteiligt sind. Sind mehr als zwei Körperteile beteiligt, gibt es für jeden Punkt der Bewegungsbahn mehrere Gliederstellungen, mit der in unserem Fall, die Position der Fingerspitze verwirklicht werden kann. Eine Berechnung dürfte damit sehr komplex und damit zu aufwendig werden. Vielmehr könnte es auch so sein, dass die Bewegung der einzelnen Glieder gar nicht berechnet werden kann.

Bei der Eingabe der Knochenstellungen sind mir einige Dinge aus meinem Unterrichtsalltag klar geworden. Zum Beispiel bei meinem greifenden Finger benötige ich nur drei Gliederbewegungen. Das Grundglied bewegt sich seitwärts. Das Mittelgelenk schließt oder öffnet sich, das Grundgelenk schließt sich.

Das Problem für die Eingabe war, die richte Bewegungsgröße der einzelnen Bewegungselemente zu bestimmen. Das ist Schätzarbeit.

Als ich mir dann den Bewegungsablauf ansah, indem alle drei Bewegungen zeitgleich ablaufen, fiel mir auf, obwohl ich wusste, wo sich etwas tut, wie schwer es war, die Bewegungen zu erkennen und den Umfang der einzelnen Bewegungen. Dies obwohl ich mir den Bewegungsablauf aus mehreren Blickwinkel ansehen kann.

Bei den Perspektivwechseln fiel mir weiter auf, dass die Teilbewegungen sich je nach Perspektive gut oder schlecht erkennen lassen. Wobei jede Teilbewegung ihre optimale Perspektive hat.

Die Schülerperspektive ist für die Beobachtung keiner der Teilbewegungen optimal. Sie ist im Vergleich zu anderen Perspektiven eher hinderlich. Aber sie ist auch nicht die Schlechteste.

Natürlich habe ich auch mit einigen Schülern ausprobiert, ob sie die Bilder auf dem Bildschirm in die Wirklichkeit umsetzen können. Damit meine ich nicht nur, ob sie die Kunstknochen auf dem Bildschirm ihren eigenen Knochen zuordnen können.

Mich hat auch interessiert, ob die Schüler die Einzelbewegungen von der Ausgangsposition zur Endposition angeben können. Und so durften sie probieren.

Letztendlich hat es fast jeder geschafft.

Interessant war aber, bei was für Bewegungen die Schüler mehrere Anläufe brauchten. Die Seitwärtsbewegung des Grundgliedes war eigentlich nie das Problem. Aber was für Bewegungen man machen muss, um die Fingerkuppe in das Ziel zu bringen, war dann gar nicht klar.

Die meisten Schwierigkeiten bereitete den Schülern zu erkennen, dass man das Mittelglied nach oben bewegen muss, damit die G-Saite getroffen werden kann. Dabei habe ich dem System noch nicht beibringen können, dass das Endglied sich beim Beugen des Mittelgelenkes mitbewegt.

Bemerkenswert war, obwohl die Aufgabe lautet, wie bewegst Du die Knochen, damit der Handrücken ruhig bleibt, einige Schüler den Handknochen doch parallel verschieben wollten.

Also versetzen wir uns jetzt in die Lage eines Schülers.

Der Schüler bekommt eigentlich nicht einmal eine Bewegungsbahn von uns vorgegeben, sondern ein Ziel, wo der Finger landen muss. Dabei wird die Bedingung gestellt, die Hand möge ruhig bleiben.

Also der Schüler muss herausfinden, was er da eigentlich macht.

Dabei fehlen ihm die Informationen, auf was für Teilbewegungen er achten muss. Es wird ihm nicht einmal gesagt, dass dies sinnvoll wäre. Durch die Zeitgleichheit der Teilbewegungen und die perspektivischen Beeinträchtigungen fällt es, schwer diese zu erkennen.

Erschwerend kommt dazu, er hat nicht die Klarheit und Übersichtlichkeit eines einzelnen Fingers wie in meinen Animationen, sondern er hat seine komplette Hand im Blickfeld, in der die unwillkürlichen Teilbewegungen der anderen Finger die Beobachtung weiter erschweren.

Wie schon oben geschrieben, obwohl ich am Computerbildschirm optimale Bedingungen der Beobachtung habe, habe ich meinen Finger auch nur mit mehreren Anläufen ins Ziel gebracht. Wenn ich das System vorführe, schaffe ich es immer noch nicht auf Anhieb.

Auf den Schüler übertragen bedeutet dies, er muss lernen die Situation richtig einzuschätzen. Leicht wird es ihm aber nicht gemacht.

Die Frage lautet, wie äußert es sich, wenn der Schüler sich verschätzt. Entweder er trifft nicht oder er rettet die Situation durch eine Ersatzbewegung, die meist eine Handbewegung ist.

Also wenn der Schüler die Hand bewegt, bedeutet dies nicht, dass er die Hand immer noch nicht ruhig halten kann, sondern dass er die eigentliche Bewegung nicht verstanden hat, bzw. sich verschätzt hat.

Durch die Beschäftigung mit Blender ist mir aufgefallen, dass die Formulierung „Die-Hand-bleibt-ruhig” eine sehr ungenaue und nicht hilfreiche Beschreibung des Sachverhaltes ist. Eigentlich ist eine Bewegung des Handrücken die Folge einer

• Bewegung des Oberarms (Drehpunkt: Schulter)
• Bewegung des Unterarms (Drehpunkt: Ellenbogen)
• Bewegung des Handgelenkes
• Bewegung einer der Daumenknochen, der ein Nachfolgen im Handgelenk, Ellenbogen oder in der Schulter notwendig macht.

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Bei den Kritiken bei thomann.de fällt auf, dass es Libraries gibt, bei denen man nicht am Sound schrauben muss, weil diese räumlich aufgenommen worden sind. Andere Libraries sind staubtrocken aufgenommen worden, und man müsse den räumlichen Eindruck via Plugin selber erzeugen. Die VSL gehört zu denen, bei denen man nachhelfen muss.

Ich konnte Miroslav Philarmonik ausführlich ausprobieren. Bei Miroslav Philarmonik sind die Instrumente nicht in der Mitte der Stereomikros aufgenommen worden, sondern standen so zu den Mikros, wie normal auch. Ich fand das sehr angenehm. Das war zum ersten Mal, dass das Zuschalten anderer Instrumente bei mir kein Befremden hervorgerufen hat. Ich musste mich nicht mit dem Balanceregler rumärgern. Ich finde mich in meinem Verdacht bestätigt, dass die Räumlichkeit der Aufnahme der Samples eine entscheidende Rolle in der Frage der Natürlichkeit spielt. De facto ist für mich von der Nutzbarkeit eine sehr einfache Lösung und dürfte für mich, der sich nicht mit der Nachbearbeitung herumschlagen will, die bessere Lösung sein, obwohl objektiv gesehen von der Samplequalität dies die schlechtere ist.

Bei meinem weiteren Rumstöbern habe ich folgende Internetseite gefunden: http://www.try-sound.com

Hier kann man verschiedene Samplelibaries und deren Interfaces ausprobieren. Leider habe ich noch nicht geschafft, meine Sequenzer bzw. mein Notensatzprogramm an den Softwareinstrumenten anzuschließen.

Was ich aber von Bedeutung finde. Ich habe die VSL ausprobiert. Die dort zur Verfügung gestellten Demo-MIDI-Dateien sind in einer Art und Weise (nach)bearbeitet, wie ich es mit meinen Möglichkeiten nicht kann. Die Einstellungen des VSL-Players waren auch von einer Qualität, die einen sehr tiefen Einstieg in die Materie nötig machen. Auf meiner Reise durch die Softwareinstrumentenwelt habe ich mittlerweile gelernt, dass Softwareinstrumente wegen dieser aufwendigen Detailarbeit gut klingen. Macht man sich diese Arbeit nicht, kann das Gefühl entstehen, viel Geld zum Fenster hinausgeworfen zu haben.

Also man sollte sich nicht von den Demosongs beeindrucken lassen, sondern eine Möglichkeit finden, die Sampleplayer mit dem MIDI-Material, das man fähig ist herzustellen, füttern zu können, um zu wissen, wie die Sache bei einem Selbst klingen wird.

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Andererseits verwende ich MIDI-Dateien als Ausgangbasis für Begleitmaterial oder Klangbeispiele für meine Schüler. Mit realistischen Klängen entfalten diese Klangdateien mehr musikalische Wirkung.

Die Formulierung „mehr musikalische Wirkung” ist erklärungsbedürftig. Wenn man zu einem realen Streicherdurdreiklang eine kleine Septim singt, wird die dominantische Wirkung manifester, als wenn man die kleine Septim zu einem Standard-MIDI-Streicherdreiklang singt.

Harmonische Wirkungen entfalten sich für den Anfänger wesentlich deutlicher, wenn er zu lange klingenden Klängen (Bläser, Streicher) spielen kann, als wenn er zu einer Klavier- oder Gitarrenbegleitung spielt.

Ich habe zwar verschiedene Softwaresynthesizer auf meiner Festplatte herumliegen, die teilweise sogar sehr gute Klänge erzeugen, aber doch leider sehr wenige.

Aus Musikzeitschriften kenne ich die Namen diverser Samplelibraries und deren Preise. Ein Instrument kostet bei der Vienna Symphonic Library 60 Euro in der kleinsten Ausführung. Das kleinste Paket mit den wichtigsten Orchesterinstrumenten je nach Ausführung 350 bis 800 Euro.

Bei whc gibt es das Te Deum, welches mit dieser Library gemacht worden ist. Als ich das MP3 zum ersten Mal gehört habe, habe ich erst einmal geschaut, ob ich doch nicht das MIDI-File erwischt habe, so enttäuschend fand ich das Ergebnis.

Ich fand das Preis-Leistungs-Verhältnis nicht sehr begeisternd. Ich dachte mir, das kannst Du deutlich billiger haben. Samples gibt es zuhauf im Netz. Einen Softwaresampler füttern, ist nicht schwer.

Ist es so einfach und unkompliziert, wie ich mir das vorgestellt habe? Leider nein. Die freien Samples im Netz müssen teilweise sehr häufig nachbearbeitet werden.

Was für Probleme gab es?

1.       Die Stimmung: Teilweise sind die Samples verstimmt, und zwar manchmal sogar um einen ganzen Halbton.

2.       Die Lautstärke der Samples: Letztendlich sollten die Töne einer Tonleiter ungefähr gleich laut oder kräftig klingen. Die freien Samples fallen teilweise zu inkonstant aus. Die Samples durch Normalisieren auf gleiche Lautstärke zu bringen, funktioniert teilweise ganz gut, aber hat auch seine Grenzen.

3.       Die unterschiedliche Länge der Samples. Ist der Ton länger als das darauf basierende Sample, dann hört der Ton zu früh auf. Womit man leben könnte, wenn die Samples einheitlich lang wären. Da sie das nicht tun, klappert es teilweise ziemlich kräftig und es wirkt teilweise sehr komisch. Man kann zwar durch Loops im Sample den Ton verlängern. Aber das ergibt dann ein leicht unnatürliches Pseudovibrato.
Diese Looptechnik muss man auch beherrschen, weil sonst wird dieses Vibrato zu penetrant.

Es ergibt sich häufig folgendes erstaunliche Phänomen. Wegen der Inkonsistenz der musikalischen Parameter der Samples klingt das Abspielen einer MIDI-Datei mit dem unmenschlichen Material der Klangwellensynthese musikalischer als mit dem menschlichen Material.

Weiter fand ich unbefriedigend, wie die Endergebnisse klangen. Ich weiß einfach zu wenig, wie man diese Klänge weiter nachbearbeiten muss. Ich konnte meine Ergebnisse mit Ergebnissen im Netz vergleichen, die auf das gleiche Ausgangsmaterial zurückgegriffen haben, die Qualitätsunterschiede waren teilweise gravierend.

Weitere Probleme waren:

4.       Die unterschiedliche Mikrophonierung. Manche Samples sind staubtrocken aufgenommen worden. Das andere Instrument mit sehr viel Raumklang. Verwende ich das staubtrockene Instrument und das hallende Instrument gemeinsam, klingt das auch sehr komisch.

5.       Manche Instrumente klingen solo ziemlich gut, aber im Zusammenklang mit bestimmten anderen Instrumenten werden diese plötzlich sehr synthetisch.
Ich vermute, die Mischung im Raum erzeugt ein anderes Wellenspektrum als das pure Zusammentreffen der beiden Klangquellen in der Soundkarte. Andere bekomme das aber hin.

Letztendlich habe ich jetzt verstanden, was für ein Aufwand hinter den Samplelibraries steht und warum sie kosten, was sie kosten.

Nehme ich jetzt meinen Zeitaufwand und rechne ihn mit meinem Stundenlohn, dann hätte ich mir auch die billigste Version der Vienna Symphonic Library kaufen könne und stände vermutlich vom Endergebnis besser da.

Aber umsonst war diese Auseinandersetzung nicht, weil ich habe sehr viel über Klang gelernt und auch wieder einiges darüber, wie Musik funktioniert.

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Aber vorab eine andere Geschichte, die ich vor Jahren erlebt habe. Irgendjemand stellte eine Eigenkomposition ins Netz. Ein Orchesterwerk. Ich war verblüfft, denn der Sound klang nach Hollywoodfilmen, die ich vor kurzem gesehen hatte.

Ich fragte nach und als Antwort kam, er, der Komponist würde mit einer in Hollywood weit verbreiteten Samplelibrary und die dazugehörige Software arbeiten. Interessiert besuchte ich die Homepage der Samplelibrary und fand die Aussage bestätigt, dass der Komponist nicht flunkerte. Ich fand sogar meine Filme wieder. Die Musik wurde mit dieser Samplelibrary gemacht. Ich wäre aber nie darauf gekommen, dass ich ein virtuelles Orchester gehört habe.

Zusätzlich erstaunte mich, dass allem Anschein nach diese Samplelibrary  einen gewissen Wiedererkennungswert hatte.

Zurück zum Thema.

Also ich fütterte meinen Sampleplayer mit den Samples von http://theremin.music.uiowa.edu/MIS.html und spielte einige MIDI-Datei mit den Klängen ab. Teilweise war ich sehr angetan, teilweise war ich entsetzt. Das klang teilweise fast so schlimm wie die MIDI-Ausgabe meines Laptops.

Aber zwei Dinge fielen mir auf. Klang ein Instrument solo in meinen Ohren gut, klang es im Verbund mit anderen Instrumenten nach billigem MIDI-Sound. Ein umgekehrtes Verhalten war aber auch drin. Hall linderte oder verschlimmerte.

Mein Verdacht war, die Samples würden nicht real abgespielt, sondern durch den Sampleplayer im Sinne der Aufgabe modifiziert.

Also hörte ich mir die Samples genauer an. Es wurde nicht eingegriffen. Oder nur so dezent, dass ich nicht sagen könnte wie. Ebenfalls ich verstand die Welt nicht mehr, warum klangen echte Klänge so unecht.

Vielleicht hat sich so mancher die Samples von dem obengenannten Link mal angehört und kann nachvollziehen, was ich jetzt schreibe.

Ich persönlich muss sagen, so hört sich doch keine Trompete an! Da ich mal eine Freundin hatte, die Trompete spielte und deren Vater Posaune, fiel mir dann doch noch ein, doch so klingen diese Instrumente, wenn man direkt neben ihnen steht und der Raum ziemlich wenig Hall hat.

Aber ich begab mich auf die Suche nach weitere Samples. Man wird im Netz dabei ziemlich schnell fündig. Dabei fiel mir etwas auf, wie unterschiedlich sich die Instrumente anhörten. Mal hörte ich, dass muss ein großer Raum gewesen sein, da hat es viel Hall, diese Aufnahmen sind stocktrocken, dort war das Mikro nahe, dort weit weg. Aber nichts klang wirklich so, wie ich es mir vorstellte.

Von einer freien Samplelibrary hörte ich ein Demo eines Orchesterstückes. Ich war sehr angetan. Ich lud mir die Samples herunter und wieder ein ähnliches Befremden wie schon oben beschrieben.

Aber irgendwann fiel mir eine Sache auf, ich hatte und habe ja genügend Möglichkeiten Instrumente in Natura zu erleben. Manche Samples, die ich spontan befremdlich fand, über die musste ich schlussendlich das Urteil fällen, ja so klingt es in Wirklichkeit. Der Vorwurf des verfälschten Klanges kam deswegen zustande, weil sie nicht klangen, wie ich es von CD gewohnt war.

Bei meinen Experimenten kopple ich verschiedene Instrumente.  Erstaunlich dabei ist, dass ein Instrument für mich je nach Partner mal gut und mal richtig schlecht und unecht für mich klingt.

Vorgewarnt durch meine vorherigen Erkenntnisse bin ich meiner Einschätzung gegenüber natürlich misstrauisch. Aber bei einigen Kombinationen habe ich das Problem, dass ich sie nie live oder von CD gehört habe. Also  fälle ich mein Urteil eigentlich aufgrund von Vermutungen. Letztendlich würde ich aber sagen, meine Vermutungen dürften eher der CD-Realität entsprechend.

Warum schreibe ich das? Ich finde faszinierend, wie stillschweigend meine Klangvorstellung von einen unwirklichen Klang bestimmt ist und es würde mich interessieren, ob es anderen auch so geht und wie bewusst ihnen das ist.

In diesem Zusammenhang sehe ich eine andere Beobachtung in einem anderem Licht.

In der letzten Zeit haben sich einige Schüler hochwertige Gitarren gekauft. Alle mit Carbonsaiten bestückt. Lasse ich mir den Klang dieser Gitarren durch den Kopf gehen, frage ich mich, ob dieser Trend zur Carbonsaite etwas damit zu tun hat, dass es dann in der Realität mehr nach CD klingt.

Sozusagen, der virtuelle Klang bestimmt den realen Klang. Eigentlich geht man doch davon aus, der virtuelle Klang ist der Versuch den realen Klang zu kopieren.

Um das für mich Irritierende zu erklären. Auf meinen Suchaktionen nach geeignete Samples ist mir aufgefallen, dass bei Bässen und Streichern in der Mehrheit keine echten Instrumente gesampelt werden, sondern ältere Soft-, Hardwaresyntheziser und Keyboards.  Würde man das oben angenommene Phänomen weiterdenken und überspitzen, dann würden Geigenbauer nicht mehr versuchen wie Stradivadi zu klingen, sondern wie ein Synthesizer, der versucht mit den kleinen Speicherplätzen vergangener Zeiten ein passables Ergebnis zu erzeugen.

Aber nachdem ich mir länger Samples angehört habe, hat sich mir ein Verdacht aufgedrängt, den ich nicht belegen kann. Durch Melodyne habe ich den Begriff der „Tonhöhenmodulation” und des „Tonhöhendriftes” kennen gelernt. Mit Tonhöhenmodulation sind die minimalen Schwankungen um die eigentliche Tonhöhe während des Spielens gemeint. Mit Tonhöhendrift meint man, dass allmähliche Ändern der Tonhöhe während des Spielens des Tones. Füttert man Melodyne mit Aufnahmen von Göttern der Musik, sind all diese Dinge vorhanden und nicht zu knapp.

Ich nehme an, dass wen Samples eingespielt werden, man bemüht ist noch stimmstabilere Töne zu spielen als normal. Deswegen die Erinnerung an Klangwellensynthese. Wie komme ich auf diesen verdacht. Bei manchen Samples, die mir zu sehr schwankten, habe ich solche Korrekturen gemacht. Habe ich diese Unsauberheiten zu sehr eingeebnet, hatte ich plötzlich den Eindruck des Synthetischen. Habe ich die Korrekturen abgeschwächt, ging es eigentlich wieder.

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Der Grund meiner Weigerung zu investieren war relativ einfach. Aus einem kuriosem Grund kamen drei Dinge an einem Tag zusammen.

Ich kaufte mir ein neues Mikro. Der Hauptunterschied war  ein technischer. Ich hatte jetzt ein Kleinkondensatormikro statt eines dynamischen Mikrophones. Die Klangcharakterisitik meiner Gitarre veränderte sich bei den Aufnahmen nicht, aber das Rauschen war deutlich geringer.

So weit ich verstanden habe, ist dies normal. Denn Kondensatormikrophone wandeln das gleich starke Eingangssignal in ein stärkeres elektrisches Signal um. Dies hat zur Folge, dass das aufgenommene Signal lauter ist als das Grundrauschen des Gesamtsystemes.

An diesem Tag fiel mir eine Vergleichs-CD von Mikrophonen im Wert von 400 bin 8000 Euro in die Hand. Die Unterschiede, wie die Gitarren klangen, war eher marginal. Nicht das, was ich mir bei dieser Spanne erwartet hätte.

Ich weiß nicht mehr, was für eines der Mikrophone ich dann in meinem Unterrichtsraum verwendete, aber der Wechsel des Aufnahmeraumes bewirkte deutlich mehr als der Unterschied von 7600 Euro.

Da mir ein Tontechniker mal gesagt hat, dass bei Gitarre der Aufnahmeraum deutlich wichtiger sei als be anderen Instrumenten, kam ich zum Ergebnis, ich muss mit meinem Klangergebnis leben.

Bis ich mich mit Samples auseinandersetzte und mir dabei anfingen die Ohren wehzutun. Der Flötensound war dermaßen präzise und obertonreich, dass mich interessierte, wie das aufgenommen wurde.

Ich stieß auf Neumann KM 84, das Nachfolgemodell des Neumann KM184. Das Neumann hat zwar seinen Preis, aber wenn es so präzise ist und es eine Anschaffung für das Leben ist, kann man darüber nachdenken.

Also habe ich im Netz gestöbert.

Als erstes bin ich auf http://www.youtube.com/watch?v=34SkYb1Ml0s gestoßen. Diese Video kenne ich eigentlich schon länger. Auch hier die Mikroposition und Mikrophoncharakteristik bewirkt mehr für die Klangcharakteristik als 7600 Euro.

Aber dann stieß ich auch auf www.youtube.com/watch?v=Ysj4V5WHDKg  .

Diese Aufnahmen mit den zwei Mikros gefiele mir sehr gut. Dadurch wird ein Faktor verändert, denn ich bei meinen Aufnahmen auch gerne geändert hätte, mehr Räumlichkeit.

Und da stand die Frage im Raum, kaufe ich mir ein zweites Mikro und fing im Netz zum stöbern an. Dabei stieß ich auf einiges:

• http://www.gearslutz.com/board/gear-shoot-outs-sound-file-comparisons-audio-tests/575378-puzzle-schoeps-mk4-mk22-mk2-neumann-km184-acoustic-guitar.html
• http://www.gearslutz.com/board/so-much-gear-so-little-time/651947-classical-guitarist-mic-noise-sensitivity-question-beyer-mc930.html
• http://www.youtube.com/watch?v=i41-xZHzqug
• http://www.youtube.com/watch?v=h0575dVjIcs
• http://www.youtube.com/watch?v=ZRA9zrv_2QA&feature=related
• www.youtube.com/watch?v=31VyzEXyrHU
• http://www.youtube.com/watch?v=XWcuV2FyaY8
• http://www.youtube.com/watch?v=hW6a0axSqK0

Für mich verblüffend, wie sehr sich die Charakteristiken der Gitarren zu Studio zu Studio verändert, obwohl die Aufbauten der Mikros für mich als Laie sehr ähnlich aussehen. Fast war ich schon dabei, mir kein zweites Mikro zu kaufen.

Aber ich tat es dann trotzdem. Ein zweites Rode NT3. Hat es etwas gebracht? Ja und nein. Erst war ich etwas enttäuscht. Dann aber experimentierte ich ein wenig, wohin die zwei Mikros auf meiner Gitarre deuteten. Das Ergebnis wurde besser. Ich habe letztendlich den EQ-Einsatz, um das störende Dumpfe zu reduzieren, stark minimieren können. Letztendlich poltert meine Gitarre nicht mehr so bei den Aufnahmen.

Klingt die Gitarre endlich so, wie ich will? Nein.

Bei den Links ist mir schon aufgefallen, dass, wenn Konzertgitarren verwendet wurden, selten ein Sound entstanden ist, den ich von Cds kenne. Außer bei den Cloud JRS-34-Mikros. Das erinnert an die alten Platten.

Mein Hauptproblem war, ich wollte den Sound von CDs haben. Ich wollte eigentlich, dass meine Gitarre wie auf  CD klingt.

Nach genauerem Hinhören habe ich hinbekommen, dass sich meine Aufnahmen nach meiner Gitarre anhören. Und meine Gitarre hört sich real nicht so an, wie die Gitarren von CDs.

Warum das so ist, erschließt sich mir nicht, da es Aufnahmen mit Gitarren meines Gitarrenbauers gibt und das hört sich anders an.

Ob Nachbearbeitung, Aufnahmesituation oder Mikrofonierung der Hauptfaktor ist, kann ich nicht herausfinden.

Langer Rede kurzer Sinn, Leute die so wie ich im Nebenbei aufnehmen, sollten sich nicht all zu viel erwarten, wenn sie ihr Aufnahmeergebnis durch ein höherwertiges Mikrophon verbessern wollen. Mikrophonposition, -anzahl und Aufnahmeraum bewirken mehr. Letztendlich glaube ich, dass wenn man nicht all zu viel Aufwand treiben kann oder will, diesen Mangel von Aufwand nicht mit teuerer Technik ausgleichen kann.

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E. Glenn Schellenberg gelingt es ziemlich überzeugend, bei seinen Untersuchungen diese methodischen Handicaps zu umgehen. Er weist nach, dass das Spielen eines Instrumentes die Intelligenz fördert und sogar so stark, dass man das in den Abschlussnoten der High Schools nachweisen kann.

Bloß die Schlussfolgerung von Schellenberg überrascht wirklich. Er stellt die Frage liegt das an der Musik? Beim Musizieren würden so viele Fähigkeiten benötigt, dass man eigentlich untersuchen müsste, ob eine Tätigkeit mit gleichem Anforderungsprofil aber ohne Musik ähnliche Effekte hätte.

Auch hier wieder, Musik machen ist wirklich nicht nur eine Sache der Musikalität, sondern von einem Bündel von Fähigkeiten.

Letztendlich ergibt sich ein Bild, dass Musikalität durch die aktive Auseinandersetzung mit Musik gefördert wird. Hat jemand eine schwach ausgeprägte Musikalität, aber sonst ein normales Begabungsprofil, dann spricht eigentlich nichts dagegen, sich trotzdem mit Musik zu beschäftigen.

Warum insistiere ich bei diesem Thema? Mir begegnet erstaunlich oft als Begründung, warum manche Menschen sich nicht trauen ein Instrument zu spielen, sie seien nicht musikalisch. Es scheint eine weit verbreitete Ansicht zu sein, dass Musikalität der einzige Schlüssel zum musikalisch erfreulichen Erlebnissen und Ergebnissen ist. So wie es aussieht, ist Musikalität vielleicht gar nicht so wichtig, weil sie durch die Beschäftigung mit Musik entwickelt wird.

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Jeanne Bamberger versucht herauszufinden, wie denken Menschen über Musik nach, wie entwickelt sich dieses Denken. Diese Entwicklung des Denkens setzt sie mit einer Entwicklung von Musikalität gleich.

Eine der Wege dieser Forschungen ist, die Forscherin lässt Kinder mit Montessoriglocken bekannte Lieder nachspielen. Dabei stellen die Kinder die Glocken unterschiedlich auf. Jüngere Kinder stellen die Glocken mit verschiedenen Tonhöhen der Reihenfolge nach auf, wie die Töne in dem Lied vorkommen. Musikalisch trainierte Kinder stellen die Glocken wie bei einer Klaviatur auf. Die Forscherin behauptet, daraus könne man schließen, dass die jüngeren Kinder ein anderes Konzept von Tönen haben als ältere und musikalisch trainiertere Kinder. Die älteren Kinder hätten die weiter entwickelte Musikalität.

Ich finde dies ist nicht der einzig mögliche Schluss. Man kann den Sachverhalt auch anders erklären.

Die älteren Kinder haben mittlerweile ein Konzept gelernt, wie man sein Werkzeug organisieren kann, was den jüngeren Kindern fehlt. Weiter ist die Anordnung der Glocken bei den jüngeren Kindern, auch kognitiv einfacher handzuhaben.

Jeanne Bamberger behauptet, die jungen Kinder müssten ihre Glocken so aufstellen, weil ihnen nicht klar wäre, dass eine Glocke an einer räumlich gleichen Stelle unterschiedliche Funktionen - in dem Fall der Zeitpunkt des Erklingens in der Melodie - haben könne. Ältere Kinder würden das begreifen.

Stimmt vermutlich. Zu verstehen, dass ein Gegenstand verschiedene Dinge, Funktionen und Bedeutungen repräsentieren kann, ist zwangsläufig zu erst eine Frage der kognitiven Entwicklung. Wenn man diese Möglichkeit dieser Multifunktion nicht begreifen kann, dann kann man das auch nicht in der Musik erkennen. Ich würde sogar so weit gehen, dass ältere Kinder ohne musikalisches Training auch auf das Prinzip Klaviatur kommen würden.

Sollte ich mit meinem Einwand Recht haben, dann kann man sich folgenden Sachverhalt vorstellen. Eine identische Musikalität in zwei Menschen, deswegen interagierend mit unterschiedlichen kognitiven Fähigkeiten, ergeben unterschiedliche Ergebnisse bei musikalischen Leistungen. Der außenstehende Beobachter beurteilt aber durch die unterschiedlichen Leistungen die Musikalität dieser zwei Menschen als unterschiedlich stark ausgeprägt.

Im zweiten Teil dieses Kapitels gibt Jeanne Bamberger Interviews von drei gleichaltrigen Jugendlichen, die sich einen Satz einer Beethovensonate angehört haben, und eine nachfolgende Diskussion zwischen den Dreien wieder. Die drei Jugendlichen unterscheiden sich in ihrer musikalischen Erziehung. Jugendlicher A hat nicht einmal Musikunterricht in der Schule gehabt, Jugendlicher B hatte in der Schule Musikunterricht bis zum High-School-Abschluss und Jugendliche C hatte so viel Klavierunterricht, sodass sie diesen Satz der Beethovensonate schon selbst gespielt hat.

Natürlich sagte die Jugendliche C die schlausten Sachen über diese Beethovensonate.

Aber auch hier wieder, die musikalische Auffassungsgabe ist stark geprägt durch das Training des Einzelnen.

Spontan würde man dem Jugendlichen C die höchste Musikalität zusprechen. Aber wer hatte von den Dreien das höchste musikalische Potential, bevor sie einem musikalischen Training ausgesetzt waren. Rein theoretisch wäre es möglich, dass der Jugendliche A, der jetzt am schlechtesten abschneidet, eigentlich die höchste Musikalität hatte, als alle drei in den Startlöchern ihrer musikalischen Entwicklung standen.

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Letztendlich ist doch so, wenn eine überdurchschnittliche Leistung mit Musik geboten wird, dann wird diese meist ohne weitere Reflexion auf eine überdurchschnittliche Musikalität zurückgeführt. Wenn man genauer nachdenkt, kann der Grund auch ein überdurchschnittliches Bewegungstalent sein oder überdurchschnittliche kognitive Leistungen. Vielleicht ist Musikalität ein besonderes Zusammenspiel von mehreren Fähigkeiten.

Überspitzt könnte man sagen, vielleicht ist Musikalität eine Illusion oder ein sehr unscharfer Begriff, mit dem sich erst mal sehr viel erklären lässt, was aber bei genauerem Hinsehen dann doch nicht erklärt ist.

Drei Kapitel von The Child as Musician: A Handbook of Musical Development scheinen meine These zu unterstützen.

Im Kapitel „Musicality” wird erläutert, was für Konzepte es für Musikalität und deren Feststellung gibt. Es ist zu erst ähnlich wie bei der Intelligenz, Musikalität ist das, was der Test misst. Letztendlich ist nicht einmal klar, ob es so etwas wie eine musikalische Intelligenz gibt, oder ob sich Musikalität aus anderen kognitiven Fähigkeiten zusammensetzt. Was nicht weiter schlimm wäre, könnte man mit Musikalitätstest das erfolgreiche Einschlagen eines langen musikalischen Weges vorhersagen. Sehr viel geben diese Tests in dieser Frage nicht her. Man kann ein wenig vorhersagen, aber es gibt bessere Indikatoren, ob jemand eine erfolgreiche musikalische Laufbahn einschlägt. Erfolgreich heißt nicht eine professionelle Laufbahn, sondern eine wenn möglich lebenslange aktive Beschäftigung mit Musik.

Bessere Indikatoren seien Selbstdisziplin, Frustrationstoleranz, metakognitive Fähigkeiten, motorische Fähigkeiten. Egal was Musikalität ist, sie wird durch die aktive Erfahrung von Musik gefördert. Also wer aktiv Musik betreibt, wird musikalischer. Aber damit man viele musikalische Erfahrungen machen kann, braucht es die obengenannten Fähigkeiten, um leicht und schnell viele musikalischen Erfahrungen machen zu können.

Der beste Indikator, ob jemand erfolgreich Musik macht, ist, je mehr jemand ohne äußeren Druck als Kind von selbst musiziert. Desto sicherer ist es, dass derjenige ein Leben lang musizieren wird. Also auch hier wieder, die deutlich stärkere Auseinandersetzung mit Musik ergibt mehr Musikalität.

Also Musikalität braucht Rahmenbedingungen, um sich zu entwickeln. Die daraus resultierende interessante Frage ist, wie weit können gute Rahmenbedingungen eine schwache Musikalität ausgleichen?

Meine Erfahrungen spiegeln Belege für diese Frage wieder. Es gibt immer wieder Schüler, die durch wirklich musikalische Leistungen auffallen. Z.B. Kinder, die leicht Melodien nach Gehör nachspielen können. Aber deswegen schneiden diese Schüler nicht unbedingt auffallend besser ab als die anderen Schüler. Dann gibt es Schüler die fallen durch eine extreme Unmusikalität auf. Kleinste Rhythmusbausteine können nicht nachgeklatscht werden. Doch diese Schüler fallen durch dann unter Umständen durch andere überdurchschnittliche Fähigkeiten auf und halten ganz gut mit.

Eigentlich würde ich sagen, die meisten meiner Schüler fällt durch ein oder zwei bestimmte Fähigkeit besonders positiv auf. Aber trotzalledem gibt es selten Schüler, die wirklich herausstechen.

Dann gibt es den Schülertypus, der mir bisher zu selten untergekommen ist. Dieser beschreibt sich aus bisheriger Instrumentalunterrichtserfahrung als unmusikalisch.

Bei diesen Schülern stelle ich meist fest, dass auf anderen Gebieten starke Defizite herrschen, die dann Ergebnisse erzeugen, die man mit unmusikalisch bezeichnet.

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Wenn dem so sein sollte, dann lautet vielleicht die Fragestellung, wie finde ich die geeignete Aufgabenform und -schwierigkeit für den Anfängerunterricht heraus. Weiter wäre es interessant zu wissen, wie die statistische Verteilung einer geeigneten Aufgabenform aussieht. Ob es eine deutliche Bevorzugung für ohne Noten gäbe.

Ich habe weiter oben einige Unterschiede zwischen Sprache und Musik genannt. Es sieht für mich so aus, dass Sprache sich dem Anschein nach einem Kind wesentlich strukturierter darbietet und damit besser gemerkt werden kann. Die Strukturmerkmale erschließen sich dem Kind bei Sprache von selbst. Bei Musik vermutlich nicht. Deswegen lautet die Frage, sollte ich mit meinen Thesen Recht haben, wie kann man Kindern und Anfängern diese Strukturen transparent machen?

Vielleicht ist auch ein anderer Gedanke wichtig, der die Diskrepanz der auditiven Vorstellung beim Lesen von Text und beim Lesen von Notentext bei verschiedenen Individuen erklären könnte.

Auf Sprache liegt ein höherer biologischer Druck. Lerne ich nicht sprechen, also weiß, wie die Wörter klingen, dann werden die Überlebenschance in der freien Wildbahn deutlich geringer. Ohne Musik überlebt man trotzdem. Die Biologen meinen, je höher der selektive Druck auf ein Merkmal, desto geringer fällt die Diskrepanz dieses Merkmals in einer Art aus.

Vielleicht könnte das aber gerade ein Argument für ohne Noten sein. Es bleibt kaum noch etwas anderes übrig, als sich die Sachen auditiv zu merken.

Aber, so sehr ich positive Erfahrungen mache, indem ich Schüler nach Gehör spielenlasse, stoße ich auch auf Schüler, die, würde ich diesen Weg in Reinform anwenden, schlichtweg frustriert das Handtuch werfen würden.

Bei dieser Sorte der Schüler stellt sich die Frage, wie fördert man ihre auditiven Fähigkeiten besser. Geht man den Gehörweg, dann bleibt ihnen gar nichts anderes übrig als diese Fähigkeiten zu entwickeln. Aber auf Grund ihrer Schwierigkeiten können sie nicht mit soviel musikalischem Material vertraut werden, als würden sie nach Noten spielen. Mit Noten könnten sie wesentlich mehr Höreindrücke gewinnen und dadurch ihre auditiven Fähigkeiten entwickeln.

Letztendlich bleibt die Antwort Spekulation.

Ein weiteres Argument hat mich stutzig gemacht. Die Autoren meinen, dass durch das ohne Noten die auditive Erinnerungsfähigkeit trainiert und gefördert werden würde.

Das mag schon stimmen. Bevor es Nummernspeichern bei den Telefonen gab, konnten wir uns alle wunderbar Telefonnummern merken. Als dann die Nummernspeicher aufkamen, verloren auch gute Nummernmerker ziemlich stark ihre Fähigkeit sich Nummern zu merken.

Es stellt sich deswegen die Frage, was passiert, wenn der Schüler dann auf Noten zugreifen kann? Büßt er dann auch die antrainierten Fähigkeiten ein?

Aber trotzdem werde ich verstärkt den Gehörweg einschlagen. Ich erfahre, dass dieser Weg lustbesetzter ist als der Notenweg. Deswegen hoffe ich, wenn die Schüler oder die Hirne meiner Schüler bemerken, wie sehr Musizieren mit genauem Hinhören Freude macht, dass das Hirn versucht auf genaues Hinhören umzuschalten, um den Lustgewinn zu erhöhen, auch wenn sie mit Noten spielen.

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Der Ton F bekommt in C-Dur in einer Dreiklangsbrechung F-Dur eine andere Bedeutung und Wirkung als in einem Dominantseptakkord. Laute stehen für sich selbst. Töne gewinnen ihre Bedeutung durch den Kontext. Ein „a” bleibt bei Sprache ein „a”.

Aber auch die Unterscheidungsleistung ist bei Buchstaben eine andere als bei den Tönen. Der Laut als solches verändert sich bei einem anderen Buchstaben. Würde man eine ähnliche Qualitätsänderung bei den Tönen erzielen wollen, dann müsste man jeden Ton mit einem anderen Instrument oder zumindest Effekt des Instrumentes spielen.

Das bedeutet vermutlich aber, die konkrete Wiedererkennbarkeit des Kernes einer musikalischen Information ist wesentlich verschleierter als bei Sprache.

Und dann noch der Unterschied des Feedbacks bei Kindern, wenn es um Sprache oder Musik geht. Das Feedback bei Sprache ist deutlich häufiger, qualifizierter und didaktisch wertvoller.

In einem anderen Artikel habe ich berichtet, dass ich mein Audiomaterial in Schnipseln an die Schüler weitergebe, damit sie es zu Höraufgaben verwenden.

Mit diesen kleinen Größeneinheiten kommen viele zurecht. Aber nicht alle. Die sind darauf angewiesen, dass ich das Material in der Interaktion noch einmal anders präsentiere. Und diese notwendige Interaktion können Eltern, Geschwister und andere bei Musik nicht bieten, sondern nur musikalisch trainierte Menschen. Bei Sprache ist das anders. Da kann eigentlich jeder bei Problemen unterstützen.

Weiter wird in diesem Artikel argumentiert, dass Notenlesen eine zusätzliche kognitive Last ist und damit die Aufmerksamkeit auf andere Aspekte minimiert.

Dies klang in meinen Ohren zuerst plausibel, doch bei genauerer Betrachtung, würde ich sagen, es kann so sein, aber Noten können auch das Gegenteil bewirken, nämliche eine kognitive Entlastung.

Wer nach Gehör spielt, muss sich ja irgendwie mehr merken, als jemand der nach Noten spielt. Also Noten sind unter diesem Blickwinkel auch eine kognitive Entlastung. Das deckt sich auch mit meinen Erfahrungen, wenn ich meine Schüler nach Gehör spielenlasse. Ihr Verhältnis ist zwiespältig dazu. Einerseits macht Musik, die man nach Gehör spielt, mehr Spaß, weil man sich intensiver zuhört, aber es wäre deutlich anstrengender. Nach Noten wäre einfacher und bequemer.

Ich habe ja mehr oder weniger beschlossen, dass meine Anfänger wesentlich mehr nach Gehör spielen sollen. Und sie bekommen das Audiomaterial in einer Art und Weise von mir aufbereitet, dass die wenigsten scheitern dürften. Aber diejenigen, die damit überfordert sind, kann ich durch Noten Erfolge vermitteln. Mir stellen sich also Noten bei meinem momentanen Stand meiner Überlegungen, als Rettungsanker für meinen auditiven Weg dar. Eigenartig, wenn es damit doch eigentlich einfacher gehen soll.

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Zu einem, es geht um die Wörter. Wörter sind in einem normalen Text durch die Leerzeichen zwischen den Wörtern einfach visuell zu erkennen. Die Sinneinheiten im musikalischen Text nicht.

Wörter haben auch andere hilfreiche Grenzen. Mit dem Wort und Klang „Apfel” verbindet sich ein fasslicher und abgegrenzter Gegenstand, mit dem und über den man wunderbar nachdenken kann. Man kann mit den nur rein phonetisch abgespeicherten Worten nachdenken und neue Gedanken schaffen. Das dürfte die Merkbarkeit unterstützen.

Jetzt ist die Frage, was setzt man in der Musik den Worten gleich. Ich persönlich bin der Meinung, Motive sind die richtige Entsprechung. Andere sind der Meinung typisches musikalisches Material, wie Dreiklang, Tonleiter etc.

Aber die Grenzen dieser Sinneinheiten müssen dem Kind von einem anderen Menschen im Notentext und Musik vermittelt werden.

Beim Hören dürfte sich auch eine andere Grenzziehung zwischen Wörtern und Musik bestehen. Bei der Musik sind es rein musikalische Aspekte, durch welche Grenzen entstehen. Bei Sprache wird früher oder später klar, mit diesem Lautgebilde verbindet sich einen Gegenstand, eine Handlung.

Es wäre interessant zu wissen, ob man das Erkennen von Wörtergrenzen lernen kann, ohne dass es einen Sinn für akustische Marker gibt wie bei der Musik.

Es gibt noch einen anderen Unterschied zwischen Wörtern und musikalischen Einheiten. Nehmen wir den Dreiklang. Er erscheint in verschiedenen rhythmischen Gewändern. Worte werden bei weiten nicht so unterschiedlich rhythmisiert, bzw. es ist ihnen ein feststehender Rhythmus zu eigen.

Geht man von meiner Auffassung aus, dass die Wörter die Motive in der Musik sind, stellt sich ein anderes Problem.

Bei Sprache ist es egal, wie häufig das Wort Brot verwendet wird. Das Wesen von Musik ist das Erfinden von Neuem. Das bedeutet, dass die Wiederholung eines Motives des Stückes A eher selten vorkommt. Das bedeutet, ein Motiv kann gar nicht so häufig auftauchen wie ein Wort. Was aber auch bedeutet, ein bestimmtes Motiv kann mit nur einem Lied oder wenigen Liedern geübt und eingeprägt werden. Ein Wort kann in einer Unmenge von Situationen und Sätzen verwendet werden.

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Ich habe dieses Kapitel mit hohem Interesse gelesen, weil ich mir Antworten auf meine Fragen erwartete, wie man einer hörenderen Unterricht gestalten könnte, bzw. ob dies überhaupt sinnvoll ist.

Diese Autoren gehen auch wieder von der Diskrepanz Schreiben lernen und Noten lernen aus. Deswegen problematisiert er den herkömmlichen Weg der Notenvermittlung, weil diese die Gefahr birgt, Knöpfchendrücker ohne auditive Vorstellung zu produzieren.

Während ich diese Argumentation nachvollzog, wurden mir aber weitere Einwände gegen diese Argumentation bewusst.

Die Autoren verweisen darauf, dass die Schreibe- und Leselernforschung herausgefunden habe, dass das Sprechenlernen, dem Lesen- und Schreibenlernen vorgeschaltet ist. Dies wird als notwendig beschrieben. Leider führt der Autor nicht aus, warum die Schreibe- und Leselernforschung diese Ansicht vertritt.

Mich hat verwundert, dass z. B. beim Erlernen der ersten Fremdsprache nicht auf dieses Konzept zurückgegriffen wird.

Deswegen kamen mir kritische Fragen zu dieser Argumentation. Kann man überhaupt überprüfen, dass das Sprechenlernen dem Schreibenlernen vorgeschaltet sein muss und nicht gleichzeitig stattfinden kann. Dass ein gerade sprechenlernendes Kleinkind nicht Schreiben lernen kann, liegt wohl eher an seiner kognitiven und motorischen Ausstattung zu diesem Zeitpunkt.

Aber nehmen wir mal an, es gibt diesen Zusammenhang wirklich. Gilt dieser Zusammenhang nur bei der ersten Sprache oder auch bei dem Schreiben- und Lesenlernen von weiteren Sprachen. Wenn man sich den Fremdsprachenunterricht so ansieht, scheint diese Erkenntnis nicht allzu viele Vorteile zu bringen.

Wäre, wenn man bei der Analogie Musik und Sprache bleibt, Musik nicht dann eine Zweitsprache und die Vorsichtsmaßnahmen sind bei Weitem nicht so wichtig, wie man auf Grund der Einlassungen von den Autoren glauben möchte.

Der Autoren betonen, entscheidend ist, dass beim Schreiben- und Lesenlernen vorab genügen auditives Material gespeichert ist, sodass Gelesenes eine auditive Vorstellung hervorruft.

Da ist sicherlich etwas dran. Aber wenn man daran denkt, wie viel musikalisches Material einem Kind in seinem Kopf, was es singend reproduzieren kann verglichen zur Sprache zur Verfügung steht, dann stellt sich die Frage, ob man diesen vermutlich quantitativ enormen Unterschied durch Umstellung des Unterrichtes ausgleichen kann.

Vielleicht eine Verbesserung. Aber leider gibt es keine Untersuchungen dazu. Und das stört mich an dem Thema am meisten und auch an dem gelesenen Artikel, das Meiste ist Spekulation.

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Vielleicht hat sich hier schon so mancher geärgert, dass er, wenn er das Tempo mit dem Metronom steigert, die Agogik dem Metronom unterordnen muss. Man konnte sich schon früher damit helfen, dass man sich aufgenommen hat und das Tempo der Aufnahme allmählich beschleunigt hat. Je nachdem, was für eine Software man hatte, war das mehr oder weniger umständlich.

Transcribe hat jetzt eine Funktion, die den ganzen Vorgang automatisiert. Die „Speed Up”-Funktion im Playmenü.

Man wird gefragt, wie hoch das Anfangs- und Endtempo sein soll. Nach wie vielen Wiederholungen um wie viel Prozent das Tempo geändert werden soll.

Ist man aber gerade an seinem Tempolimit, dann finde ich den kleinstmöglichen Temposchritt von einem Prozent zu groß.

Transcribe kann trotzdem weiterhelfen. Ich finde den Weg verhältnismäßig unkompliziert, aber ich glaube das liegt nicht jedem. Transcribe hat noch eine Scriptsprache, mit der man komplexere Vorgänge automatisieren kann. Komischerweise ist bei allen Tempobefehlen auch nur als kleinster Schritt ein Prozent möglich. Nur beim entscheidenden Befehl kann man sogar ein hundertstel Prozent angeben.

Aber keine Angst, keiner muss sich hier jetzt in die Skriptsprache einarbeiten. Ich habe ein Skript von Transcribe modifiziert und stelle es hier zur Verfügung.

Das Skript runterladen und dann mit dem Editor von Windows öffnen. Bei „SpeedIncrement(0.001)” die Zahl 0.001 verändern. 0.01 steht für ein Prozent.

Dann einfach abspeichern.

Manche mögen ja lieber die Zickzackmethode. Für die habe ich auch ein Skript geschrieben. Die Vorgehensweise, um die Tempovarition einzustellen, ist die Gleiche.

Wie funktioniert das jetzt praktisch? Gewünschten Bereich in Transcribe markieren und dann die Datei des Skriptes anklicken. Und schon legt Transcribe los.

Leider kann man die Skripte nicht direkt aus Transcribe aufrufen. Ich habe dem Entwickler deswegen eine Mail geschrieben. Er fand den Vorschlag ziemlich gut. Vielleicht tut sich etwas in den nächsten Versionen.

Und deswegen noch ein kleiner praktischer Tipp. Bei Windows 7 habe ich Transcribe an die Taskleiste angeheftet. Nachdem ich die Skripts mehrmals genutzt habe, kann ich die Skripts aufrufen, wenn ich das Transcribeicon in der Taskleiste mit der rechten Maustaste anklicke.

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